Historia del Arte y Curaduría
URI permanente para esta colecciónhttp://54.81.141.168/handle/123456789/31414
Explorar
61 resultados
Resultados de Búsqueda
Ítem Desconocido ( ): Emei, actos de supervivencia: Un estudio sobre la artista Mercedes Idoyaga (Emei) su paso por Paréntesis y su devenir como activista en prácticas de arte-conflicto(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-10-30) Araníbar Conder, Marisella; Hernández Calvo, Max AlfredoLa presente investigación aborda el complejo entramado de prácticas artísticas y militancias políticas de la artista argentina Mercedes Idoyaga “Emei” (Buenos Aires, 1953). Para ello, se ocupa de la reconstrucción de su trayectoria artística en su paso por la escena del arte peruana hacia finales de la década de los 70 y su posterior desarrollo en la escena del arte argentina; así como su militancia política en el Partido Socialista Trotskista (PST /MAS /Nuevo MAS). Tal reconstrucción rastrea sus primeras experiencias de arte de producción colectiva alrededor del Grupo Paréntesis (1979) y el Festival de Arte Total Contacta 79 en Lima, Perú; su adopción del trotskismo a inicios de la década posterior y sus consecuencias en su pensamiento y prácticas creativas; hasta su participación, a través de acciones artístico-políticas, en las masivas movilizaciones desplegadas en Argentina a propósito del clima de dictaduras en el Cono Sur en la década de los 80 y 90, continuadas de manera espaciada hasta el día de hoy. La trayectoria de Emei, una que ocurre en conjugación pero también en posicionalidad crítica con el circuito oficial del arte contemporáneo, permite así recuperar objetos y acciones poseedores de una visualidad crítica en un contexto de producción que será denominado por la artística como uno de “movimiento de vanguardia movilizada”. Al analizar en clave feminista y de manera puntillosa la trayectoria de Emei, nos encontramos frente a la mirada y acciones de una mujer artista del circuito alternativo del arte, así como frente a la pregunta por el poder y la legitimidad en la escena del arte, desde una perspectiva de género, en primera persona.Ítem Desconocido Uso de la práctica artístico-curatorial como herramienta crítica dentro de la práctica artística contemporánea en Lima(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-09-04) Arica Franco, Valter Alexis; Ballón Gutiérrez, AlejandraEl presente trabajo de investigación tiene como principal objetivo demostrar la importancia de las prácticas curatoriales experimentales artísticas en el medio de las artes visuales peruanas, específicamente de Lima, y reflexionar sobre ella. Se busca evidenciar la trascendencia de estas prácticas en el desarrollo de espacios adecuados, dentro un contexto contemporáneo del arte, donde se fomente la reflexión crítica respecto de este. De esta manera, se espera generar proyectos que contribuyan al buen desarrollo del medio y que beneficien a las prácticas relacionadas con las artes visuales. Se pretende hacer una primera revisión del desarrollo de las prácticas curatoriales dentro del ámbito contemporáneo, particularmente en relación con las prácticas artísticas, y cómo es que se llega a identificar una práctica contemporánea que sea difusa en sus roles y utilice recursos que sean propios de cada práctica en una misma propuesta, de modo que tenga un impacto positivo dentro de su medio. Como resultado final, se propone un proyecto artístico curatorial que sirva a la vez para evidenciar la importancia de estas prácticas y para fomentar un propuesta crítica y reflexiva que contribuya el desarrollo de la investigación y la reflexión en cuanto a las artes visuales en nuestro medio.Ítem Desconocido Cuerpo, guerra y género: un acto de resistencia en la obra escultórica de 1980 al 2000 de Johanna Hamann(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-08-12) Carrillo García, Gabriela Caroline; Castro Sajami, Carlos AlfredoLa presente tesis estudia la producción escultórica de Johanna Hamann durante las décadas de los ochenta y los noventa. El objetivo de esta investigación es analizar la condición y valor significativo del cuerpo femenino en la obra escultórica de la artista, especialmente en un periodo crítico como la guerra interna. Para ello, este trabajo busca indagar sobre los principales referentes del imaginario visual de Hamann, interpretar interseccionalmente los principales significantes presentes en sus piezas escultóricas, explorar las percepciones y representaciones planteadas por los artistas respecto al cuerpo en la plástica peruana y, finalmente, abrir nuevas lecturas respecto a la materia, la subjetividad y el cuerpo en la plástica tanto peruana como latinoamericana. Para lograr estos objetivos, se parte de una mirada historiográfica enfocada en la Historia del Arte y el feminismo, una lectura que no solo despliega una iconografía diferente asociada al cuerpo femenino, sino que revela también hasta qué punto estos son objeto de inscripciones históricas específicas, atravesadas por tecnologías del abuso, sometidos a la violencia y la tortura instrumentada hacia los cuerpos de las mujeres. En ese sentido, este trabajo analiza de qué manera la producción escultórica de Johanna Hamann de las décadas de los ochenta y los noventa refleja y se enfrenta a la opresión experimentada por las mujeres peruanas durante este periodo. En pocas palabras, esta tesis examina la obra escultórica de Hamann explorando cómo la artista, influenciada por su experiencia y el contexto de la guerra interna en el Perú, aborda metafóricamente la vulnerabilidad del cuerpo femenino, resistiendo y revelando el dolor como signo de poder, en una posición política que trasciende las políticas feministas actuales.Ítem Desconocido Crear y validar a un artista. Joaquín López Antay, su obra y el Estado (1940-1977)(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-07-03) Ortiz Ortigas, Diego Alonso; Ramos Cerna, HoracioLa presente investigación analiza la obra del retablista ayacuchano Joaquín López Antay. Que este artista reciba el Premio Nacional de Cultura en 1975 provocó una polémica y un debate en torno a sus condición de artista. Sin perder de vista dicho debate, esta tesis realizó una vuelta al pasado para entender cómo la obra del artista se insertó en un espacio desconocido para él hasta que tuvo contacto con la pintora indigenista Alicia Bustamante. Pretendo demostrar que los cambios realizados al cajón sanmarcos tradicional, sugeridos por la pintora, no solo permitieron la creación de una tipología artística moderna como el retablo ayacuchano, sino que, por, sobre todo, introdujo a López Antay al mercado artístico urbano. Es en este nuevo espacio que él mantuvo características específicas de sanmarcos tradicional en la tipología moderna del retablo, creando espacios de resistencias visibles en su obra, así como en su modo de producir, pues hizo respetar su tiempo y espacio de creación. Analizados en diversos contextos sociales, económicos y culturales, donde el rol estatal jugó un papel puntual en la difusión de su obra, permiten comprender que el creador determinó su propia condición de artista al saber aprovechar los nuevos espacio y poder responder de manera concreta ante las críticas cuando se cuestionó su arte.Ítem Desconocido Proyecto decolonial en las pinturas neobarrocas de Richard Peralta Jiménez: Los encargos para la Iglesia de Santo Domingo del Cusco(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-05-10) López Quispe, Kruzkaya Melissa; Michaud de Del Valle, Cécile AnneEl presente trabajo de investigación desarrolla un análisis de las series de pinturas comisionadas al artista contemporáneo Richard Peralta Jiménez para la iglesia de Santo Domingo del Cusco, específicamente la serie de Ángeles y arcángeles, la serie del Vía Crucis y la serie de Santos dominicos. La tesis se aproxima a estas obras de arte contemporáneo, que se ubican en una iglesia dominica, desde la decolonialidad para dilucidar el pensamiento social y político de las pinturas neobarrocas de Richard Peralta Jiménez. En ese sentido, es importante comprender que este proyecto artístico posee una epistemología propia, que se analiza y contextualiza en el siglo XXI, ya que se formula en función a las nuevas realidades y problemáticas sociopolíticas de principio del siglo en el Perú. Es decir, se analiza de qué manera las pinturas contemporáneas de Peralta generan nuevos discursos desde la visualidad barroca como un cuestionamiento a aquellos que se vislumbraban en los ángeles y seres celestiales de la pintura virreinal. Nuestra investigación sustenta que las obras de Peralta son un sitio de resistencia que se opone, interpola y luego transforma el canon de las pinturas religiosas del barroco cusqueño para apropiarse y construir puentes entre fronteras aparentemente cerradas. Se trata de una búsqueda individual y expresiva en contra de la violencia social, la discriminación y la codificación de las diferencias fenotípicas para cuestionar los modelos coloniales bajo la libertad que le confiere el arte contemporáneo, con el fin de dar cuenta de una experiencia decolonial en medio de la globalización. En el primer capítulo, se formula un discurso en torno a la decolonialidad como proyecto emprendido desde distintos ámbitos a lo largo de la historia de la iglesia de Santo Domingo del Cusco y el templo inca del Coricancha, que ubica los encargos realizados por Richard Peralta Jiménez en medio de una tensión vinculada a la autorrepresentación. En el segundo capítulo, nos ocupamos de la forma en la que Peralta cuestiona y dialoga con el pasado histórico de la iglesia dominica y el templo inca. Para ello, presento un análisis del universo iconográfico del artista. En el tercer capítulo, reflexiono en torno a la decolonialidad como una nueva epistemología que opera en el neobarroco latinoamericano y en las obras de Peralta. Por último, se concluyen los aportes de la investigación.Ítem Desconocido Sobre lo queer, la muerte y la religión andrógina: técnicas de resistencia y descolonialismo en Velatorio (1983) de Sergio Zevallos(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-04-03) Zapata Obando, Melissa Greta; Vidarte Basurco, Giuliana ElizabethEsta investigación propone que “Velatorio” (1983), serie fotográfica del artista peruano Sergio Zevallos, construye a partir de la performatividad de lo queer, la exposición de la muerte y la religiosidad andrógina una denuncia hacia la normalización de la violencia y el rechazo sistemático del cuerpo subalterno desde el Estado, pero que además propone estrategias para poder enunciar desde la subalternidad. Para esto, se revisó cómo lo queer se encuentra presente en la serie y qué rol cumple. Así como, qué elementos de la serie traen la reflexión sobre la muerte. Y la importancia de los símbolos religiosos dislocados en la misma, pues estos símbolos permiten evidenciar la presencia de lo religioso en espacios precarios y sexualizados, alejados de la pulcritud de lo sepulcral religioso. La propuesta se elabora en tres capítulos con un enfoque biográfico basado en entrevistas; histórico-sociológico, que da cuenta del contexto social y artístico en el que surge la serie. Así también, el enfoque iconográfico para la identificación de motivos que se vinculen con la teoría queer y los estudios descoloniales con el fin de elaborar sobre las denuncias visuales y las posibilidades de crear estrategias de enunciación o resistencia al rechazo del sujeto subalterno. De esta manera, se plantea que la serie elabora apelando a este contexto de violencia para evidenciar la configuración de un sujeto subalterno que ha sido rechazado por el orden histórico y que, ahora, dentro de la serie, denota la potencia del enunciar desde su propia voz e insubordinación.Ítem Desconocido Del Muro de Berlín a Museos y embajadas: La resignificación del grafiti de Thierry Noir como resultado de su reproducción y exhibición en espacios institucionalizados(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-03-05) Bachmann Barrios, Brian Richard; Tavera Tavera, Anita CeciliaEsta tesis tiene como objeto de estudio la iconografía grafiti realizada por el artista francés Thierry Noir y los significados con los que se puede vincular su obra en dos momentos en concreto. El primer momento se desarrolla cinco años antes de la caída del Muro de Berlín, cuya materialidad fue usada por el artista a manera de lienzo para sus dibujos. El segundo momento se gesta luego de la caída, cuando ciertos espacios institucionalizados, como museos y embajadas, le solicitan reproducir esa iconografía a fin de exhibirla en sus instalaciones. La investigación propone, como resultado de la reproducción y exhibición del grafiti de Thierry Noir en estos espacios, que las narrativas construidas a partir de los discursos curatoriales e institucionales resignifican la obra del artista, debido al alejamiento del contexto y condiciones originales de su creación. Dicha resignificación alude a nuevos significados vinculados con la memoria y libertad, en contraste con el sentido primigenio de la intervención artística, que tuvo un carácter transgresor y de resistencia. En el primer capítulo argumenta que el grafiti realizado por Thierry Noir, durante el periodo 1984-1989, tuvo un significado vinculado a un arte transgresor y de resistencia. Posterior a la caída del Muro se ejemplifica, como un precedente de validación, la comisión del grafiti de Thierry Noir, en el memorial al aire libre conocido como East Side Gallery, creado en 1990. El segundo capítulo examina los nuevos espacios institucionales, donde el grafiti de Thierry Noir es encargado, reproducido sobre diferentes soportes y, finalmente, exhibido. A partir de ello, se elabora una aproximación que permita interpretar los procesos y criterios de validación a partir de los cuales se requirió específicamente al mencionado artista y a su tan característica iconografía. El tercer capítulo analiza la resignificación del grafiti de Thierry Noir al interior de estos espacios, en el sentido de las narrativas vinculadas con la obra visual, al ser parte de un discurso curatorial e institucional. Este análisis tiene como base los discursos de memoria y libertad y cómo estos funcionan a manera de guía, a fin de explorar las narrativas cuyo propósito es mirar, a través de grafiti de Thierry Noir, tanto el pasado como el futuro.Ítem Desconocido Acvérdate de tvs postrimerías, y jamás pecarás: Carmelitas Descalzas de Ayacucho, mujeres agentes de su propio arte (S.XVIII)(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-01-18) Saenz Tapia, Adriana Carolina; Michaud de Del Valle, Cécile AnneLa presente investigación propone el estudio de caso de la obra Acvérdate de tus postrimerías, y jamás pecarás (1704), lienzo perteneciente a la colección privada de las Carmelitas descalzas de Ayacucho. A partir de la información brindada por la misma pieza, como el nombre de la comitente la Hna. Basilia de Jesús o de la posible artista Hna. Magdalena Bentura del Santissimo Sacramento (dos mujeres que desde el momento de su identificación en el lienzo se convierten en sujet(o)s históric(o)s femeninos quienes representan parte de la historia del arte virreinal), proponemos un acercamiento desde distintas lecturas tanto históricas, iconográficas, matéricas, como de tópicos contemporáneos en relación a la mirada de género. Es así como nuestro análisis parte desde las particularidades que potenciaron la unicidad de la obra como, por ejemplo, la recomposición de dos iconografías de distinto origen material: la fuente grabada de la Alegoría de la redención de la Humanidad realizado por Hieronymus Wierix y la fuente pictórica sobre San Jerónimo en su estudio por Joos van Cleeve. Frente a ello, podemos precisar que la pieza en conjunto se presenta como una obra nueva que toma lo mejor de dos iconografías las cuales presentan su propia línea histórica bajo una misma esencia. Sin embargo, la problemática que buscamos enfrentar radica en la posibilidad de que hayan sido un par de mujeres quienes hayan intervenido en la producción de esta obra artística. Ciertamente, queremos comenzar el debate sobre el aporte femenino al campo del arte virreinal y las reflexiones sobre el posicionamiento de la mujer en dicha sociedad colonial, donde se vio subordinada por un orden jerárquico, el cual -como planteamos en nuestro estudio- pudo quebrarse con las artes plásticas vistas como herramientas que les permitían visibilizar su voz. En ese sentido, cuando hacemos referencia a la expresión de subjetividades por parte de las carmelitas buscamos identificar la necesidad artística de representar aquello que les permitiese reflexionar sobre su vida y espiritualidad además de señalar el atrevimiento de proponer un proyecto artístico distinto bajo una autonomía inherente para realizarlo conforme a sus propios privilegios.Ítem Desconocido Sindicalismo, protestas y represión. El sentido del trabajo en las xilografías (1979−1983) de Félix Adolfo Rebolledo Herrera(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-11-29) Lau Goyoneche, Sonia Teresa; Ciriani Espejo, Patricia CristinaMediante el estudio de las xilografías de Félix Rebolledo que hemos podido ver, producidas entre los años 1979 y 1983, en las que da cuenta de problemas sociales, protestas sindicales y represión, exploramos las luchas sociales del cholo proletario –antes indio campesino− y sus modos de representación. Se busca impulsar nuevas lecturas y reflexiones para responder en qué son revolucionarios dichos grabados, más allá de su contenido. En el primer capítulo, iniciamos el análisis, según el método iconográfico de Erwin Panofsky, de un primer grupo de xilografías, para introducir un enfoque comparativo e iconológico. El segundo capítulo aborda la técnica y estilo xilográfico del artista artesano, la relación artística con Francisco Izquierdo López y las referencias a José Carlos Mariátegui y a César Vallejo. Repasamos el vínculo entre el grabado, el realismo y la crítica social, confrontando la obra de Rebolledo con impresiones locales y regionales de las décadas del veinte y treinta en el siglo XX. Asimismo, la comparamos con producciones de artistas europeos referentes del grabado del siglo XIX y XX. El análisis iconológico, en el tercer capítulo, se centra en la cultura obrera, el cambio de estilo y las atribuciones −siguiendo el método de Giovanni Morelli−, en el contexto de las colaboraciones con la Asociación Trabajo y Cultura (ATC). La obra de Rebolledo, se concluye, refleja un carácter revolucionario inusitado en el arte peruano, más allá del contenido −la singularidad de la representación del sentido del trabajo en la figura del cholo proletario−, en sus logros técnicos y formales.Ítem Texto completo enlazado El retrato del angelito y la fotografía infantil post mortem en el Perú del siglo XIX. Un estudio de la representación de la muerte de infantes en América a través de la fotografía desde los enfoques laico y religioso(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-09-06) Clarke Paliza, George; Del Valle Ballón, Julio CésarLa presente tesis estudia la fotografía infantil post mortem en el Perú del siglo XIX. Este fenómeno existió de manera global, por lo tanto, no puede ser analizado aisladamente; debido a ello el corpus peruano se ha comparado con los casos de Estados Unidos y México, países que representan un enfoque laico, protestante y anglosajón, por un lado, frente a un enfoque católico y latinoamericano, por el otro. La fotografía post mortem ha sido poco estudiada en el Perú; la mayoría de estudios provienen de Estados Unidos y Europa, además de una diversidad de artículos sudamericanos que tratan las particularidades del fenómeno en sus respectivos países. Pero el corpus peruano no ha sido debidamente contrastado ni analizado dentro de las variantes globalmente reconocidas. Tradicionalmente, la fotografía mortuoria se ha clasificado en distintas modalidades («vivo, pero muerto», «el último sueño», y «en el ataúd»), en los cuales el corpus peruano también puede ser parcialmente interpretado; sin embargo, consideramos que existe una modalidad llamada «angelito» que no encaja en la taxonomía anglosajona. Dicha variedad proviene del «ritual del angelito», una práctica del catolicismo popular que existió en España, México y otros países sudamericanos, incluyendo el Perú, y que estaba en retroceso cuando la fotografía apareció. La hipótesis central de la investigación es que la modalidad angelito debe ser reconocida como una modalidad propia debido a que, tras el análisis comparativo, no se ajusta a ninguno de los otros modos ya descritos. Si bien esta modalidad sí ha sido reconocida por varios investigadores iberoamericanos, suelen interpretarla como una variación de las otras modalidades; paralelamente, los estudios anglosajones ni siquiera la mencionan. Entre los objetivos está el distinguir la presencia de las variantes internacionales de la modalidad angelito dentro del corpus peruano, así como entender sus orígenes y particularidades. La metodología consiste en un análisis iconográfico e iconológico de las imágenes, la revisión de la bibliografía existente sobre el tema, y un enfoque interdisciplinario, pues para interpretar el corpus es necesario revisar conceptos sobre fotografía, historia, religión, tanatología y escatología cristiana. Entre las conclusiones más importantes se señala que el corpus peruano revela la influencia de los modos internacionales, además de la modalidad angelito, peculiar de algunos países católicos sudamericanos. También se destaca un cisma entre la visión protestante, laica y europea de las fotografías estadounidenses frente a las sudamericanas y católicas. Asimismo, se concluye que cuando el ritual del angelito se extinguió, la iconografía sobrevivió en las fotografías, lo cual hizo que los retratos de angelitos peruanos sean versiones diluidas de la forma original, imágenes híbridas entre la modalidad angelito y las otras modalidades.