Historia del Arte y Curaduría

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Acvérdate de tvs postrimerías, y jamás pecarás: Carmelitas Descalzas de Ayacucho, mujeres agentes de su propio arte (S.XVIII)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-01-18) Saenz Tapia, Adriana Carolina; Michaud de Del Valle, Cécile Anne
La presente investigación propone el estudio de caso de la obra Acvérdate de tus postrimerías, y jamás pecarás (1704), lienzo perteneciente a la colección privada de las Carmelitas descalzas de Ayacucho. A partir de la información brindada por la misma pieza, como el nombre de la comitente la Hna. Basilia de Jesús o de la posible artista Hna. Magdalena Bentura del Santissimo Sacramento (dos mujeres que desde el momento de su identificación en el lienzo se convierten en sujet(o)s históric(o)s femeninos quienes representan parte de la historia del arte virreinal), proponemos un acercamiento desde distintas lecturas tanto históricas, iconográficas, matéricas, como de tópicos contemporáneos en relación a la mirada de género. Es así como nuestro análisis parte desde las particularidades que potenciaron la unicidad de la obra como, por ejemplo, la recomposición de dos iconografías de distinto origen material: la fuente grabada de la Alegoría de la redención de la Humanidad realizado por Hieronymus Wierix y la fuente pictórica sobre San Jerónimo en su estudio por Joos van Cleeve. Frente a ello, podemos precisar que la pieza en conjunto se presenta como una obra nueva que toma lo mejor de dos iconografías las cuales presentan su propia línea histórica bajo una misma esencia. Sin embargo, la problemática que buscamos enfrentar radica en la posibilidad de que hayan sido un par de mujeres quienes hayan intervenido en la producción de esta obra artística. Ciertamente, queremos comenzar el debate sobre el aporte femenino al campo del arte virreinal y las reflexiones sobre el posicionamiento de la mujer en dicha sociedad colonial, donde se vio subordinada por un orden jerárquico, el cual -como planteamos en nuestro estudio- pudo quebrarse con las artes plásticas vistas como herramientas que les permitían visibilizar su voz. En ese sentido, cuando hacemos referencia a la expresión de subjetividades por parte de las carmelitas buscamos identificar la necesidad artística de representar aquello que les permitiese reflexionar sobre su vida y espiritualidad además de señalar el atrevimiento de proponer un proyecto artístico distinto bajo una autonomía inherente para realizarlo conforme a sus propios privilegios.
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Ahora y en la hora de la muerte: la Virgen del Carmen y las almas del purgatorio en la pintura virreinal peruana del siglo XVIII
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2022-06-28) Macazana Galdos, Ivonne Yarina; Barriga Calle de Martínez, Irma Eugenia
El vínculo iconográfico y devocional entre la Virgen del Carmen y las almas del purgatorio aún requiere de mayores estudios en la historia del arte virreinal peruano. En ese sentido, el presente trabajo es un primer acercamiento a la iconografía carmelita vinculada a la imagen del purgatorio y las ideas de cuerpo místico, cuerpo social y solidaridad entre vivos y muertos. A través del estudio de pinturas del siglo XVIII, e incluso de inicios del XIX, producidas en Lima y el sur andino y que representan a la Virgen del Carmen con almas del purgatorio, esta investigación demuestra la permanente preocupación personal por salvar el alma y la acción solidaria comunitaria dentro de una compleja dinámica social. Esta sociedad virreinal, marcada por el sentido de la muerte, se vio comprometida por las formas de gobierno, aspectos políticos y nuevos ideales que provocaron cambios y continuidades en la sensibilidad y religiosidad. Por otro lado, se demuestra cómo el uso del escapulario, hábito carmelita simplificado, caló en el imaginario colectivo debido a las promesas marianas que contiene y cómo esto permitió la trascendencia de la devoción a la Virgen del Carmen. Además, se pone en evidencia la importancia de relacionar imagen y devoción para una mejor comprensión de las creencias religiosas plasmadas en el arte.
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La aplicación de la integración plástica por Adolfo Winternitz en la Parroquia Santa Rosa de Lima de Lince: hacia un paradigma de arte peruano preconciliar 1950 - 1964
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-01-25) Cárdenas Vargadá, Claudia Fabiola; Villegas Torres, Luis Fernando
La presente investigación analiza la aplicación de la Integración Plástica en el arte sacro en la parroquia Santa Rosa de Lima de Lince (1954 – 1964), proponiendo a la obra como una presencia paradigmática en el arte peruano, debido, primordialmente, a que se trata de una obra concebida en un trabajo conjunto entre el arquitecto Ricardo Sarria y los artistas Adolfo Winternitz y Joaquín Roca Rey, con la cualidad de ser un proyecto colaborativo en el que la arquitectura y las artes plásticas intervinieron equilibradamente desde el inicio de la conceptualización del futuro templo. Se presenta una visión analítica, que parte del surgimiento de las ideologías contemporáneas que dieron origen a la teoría de la integración del arte y a las consideraciones del artista plástico Adolfo Winternitz respecto formas y niveles de aplicación de la integración. Al encontrarse la obra de arte en los campos del arte sacro, se plantea, además, las consideraciones de la Iglesia católica del tiempo preconciliar, y su visión frente al arte contemporáneo. El objetivo de la presente investigación es demostrar el valor artístico que tiene la aplicación total de la integración de las artes, y verificar si la aplicación total de la integración, genera efectos de mayor intensidad en el espectador en su experiencia frente al espacio sacro de la Iglesia Santa Rosa de Lima de Lince.
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El arte inca del siglo XVI: los queros y aríbalos en los albores de la conquista
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2022-08-01) Cortijo Molina, Alvaro Gonzalo; Hernández Astete, Francisco Javier
A partir de la revisión de los diseños presentes en los queros, enfatizando tres de ellos, se identifica dos temas iconográficos incaicos que se habrían mantenido al menos durante las primeras décadas luego de la llegada española: el mito de origen y la decapitación. Se plantea que el discurso visual transmitido por el régimen incaico a través de los queros y aríbalos en los escenarios de fiestas continuó en los queros durante el S.XVI luego de la conquista, posiblemente hasta las reformas toledanas. Hubo una voz autóctona que hablaba a través de los queros, los cuales continuaron siendo el soporte de un mensaje nativo aunque ya no necesariamente estatal, así, los cambios en el quero fueron de carácter técnico y formal mas no temático. Este trabajo parte de las comparaciones entre los diseños de queros y aríbalos pre y post conquista que estilísticamente corresponden al estilo Cuzco y se pueden asociar a la sociedad Inca del Cuzco. Se identifican los contextos de uso de los queros en los distintos rituales de libación a partir de información arqueológica e histórica, luego se señalan los motivos iconográficos que podrían explicarse en base a la información del contexto y, finalmente, se identifican temas a partir de los motivos relacionados antes y luego de la conquista.
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Batalla de Arica, afecciones e imaginario nacional: lecturas heroicas en tres lienzos de Juan Lepiani
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-03-31) Pineda Román, Iván; Castro Sajami, Carlos Alfredo
La presente investigación surgió en base a una serie de recuerdos provenientes de mi infancia. En las visitas que de pequeño hice al Museo de los Combatientes del Morro de Arica, llamaron mi atención, por encima de todo, unas enormes pinturas con escenas solemnes y de batalla. Si bien en esos lejanos años no llegué a conocer el nombre del artista, las visiones que plasmó sobre la Guerra del Pacífico (1879-1883) dejaron una profunda huella en mi interior, compuesta de una mezcla de conmoción, impresión y sentimiento patriótico. Las pinturas que Juan Lepiani hizo sobre la guerra y, especialmente, sobre la Batalla de Arica, generaron el mismo efecto en la sociedad peruana desde el momento en que se dieron a conocer en la última década del siglo XIX. En un proceso de retroalimentación constante, los recuerdos traumáticos de la entonces reciente guerra generaron en el espíritu nacional la sensación de abatimiento y, a la vez, la doble necesidad de buscar respuestas que expliquen la derrota y encontrar figuras que, con su comportamiento en el campo de batalla, eleven el ánimo y sostengan el honor de la nación. La creación de estas figuras, en el entorno literario primero y el artístico después, ayudaron a construir la memoria colectiva de la guerra, con la cual se estableció la manera en que debería ser recordada y quiénes fueron los héroes en ella. En ese sentido, la presente investigación reconstruye el proceso de creación de estas imágenes en base a las afecciones en el contexto de la posguerra partiendo del modo en el que estas encontraron en la literatura un primer vehículo para poder manifestarse y cómo, posteriormente, la memoria escrita fue convirtiéndose en una memoria visual, muy necesaria para ayudar a reconstruir el espíritu nacional. Como será demostrado, las pinturas de Juan Lepiani contribuyeron notablemente a la construcción de la memoria visual de la guerra, al crearse en base a los recuerdos y sentimientos de la guerra, y elaborar una propuesta pictórica efectiva para la recordación posterior.
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La bella muerte en Lima: los paisajes del duelo del cementerio Presbítero Maestro, 1870-1890
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-12-17) Huatuco Pomalaza, Rocío Milagros; Barriga Calle De Martínez, Irma Eugenia
En esta investigación se analizan las lápidas con iconografía de paisajes del duelo presentes en el cementerio Presbítero Maestro entre 1870 y 1890. Se pretende evaluar en qué medida su popularidad entre los sectores medios reflejaría un cambio de sensibilidad respecto a la muerte. Se sostiene que el ingreso del discurso europeo de la bella muerte al Perú, difundido a través de nuevas prácticas funerarias y distintas manifestaciones artísticas, habría influenciado en la formación de una sensibilidad romántica, desde las primeras décadas de gobierno republicano, cuando la iconografía en cuestión empezó a circular mediante grabados. Entre los años setenta y ochenta, la preferencia por esta imagen, pese a la crisis económica y política que afectó duramente a los sectores medios, evidenciaría que esta visión romántica de la muerte ya se había asentado. En el primer capítulo, se analiza el contexto histórico y social de la Lima del siglo XIX, con el fin de identificar cómo echó raíces esta sensibilidad. En el segundo capítulo, se analiza el circuito de ventas de lápidas en el Perú, para determinar cómo el gusto por estos paisajes motivó a los lapidarios a copiarlos o proponer sus propias versiones. En el tercer capítulo, se rastrean los orígenes de esta “escena de cementerio” y se realiza un análisis iconográfico. Se propone que estas imágenes mostrarían la idea de la muerte como sueño o descanso de un alma ya salvada, y que no requiere del paso por el purgatorio, idea que coincide con el proceso de laicización de los cementerios. Asimismo, reflejarían el duelo colectivo por la “muerte” del proyecto de modernización del país. Se concluye que la preferencia de los sectores medios por las lápidas con esta iconografía respondió a una sensibilidad romántica ante la muerte que se manifestó con intensidad en una época de crisis generalizada
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Camino hacia la perfección espiritual: los azulejos de la sacristía del antiguo Colegio Máximo de San Pablo (ca. 1655-1659)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-09-21) Pedrosa Velasco, Dionicia Lizbeth; Michaud de del Valle, Cécile Anne
La sacristía del antiguo Colegio Máximo de San Pablo es considerada uno de los más grandes exponentes del barroco limeño. Según los estudios de Vargas Ugarte, Bailey y Wuffarden, se sabe que los azulejos de la mencionada sacristía son del siglo XVII. Sin embargo, pese a que estudiosos del arte virreinal, como el ya mencionado Bailey, consideran a dichos azulejos una importante obra de arte, estos no han sido estudiados ni en su aspecto artístico ni en su materialidad. La presente tesis busca llenar estos vacíos. Así, se contextualizan los azulejos de la sacristía tanto en su entorno físico como en el contexto espiritual de la orden jesuita en Lima. Posteriormente, se estudia el repertorio decorativo, el origen y sentido de las imágenes, así como se relacionan estas con los personajes retratados en los azulejos y los ideales de la orden jesuita, para concluir que se trataría de un camino a la santidad mediante la vida misionera y el perfeccionamiento espiritual. Finalmente, se estudia la materialidad de los azulejos, lo que nos lleva a concluir que son limeños y no sevillanos y, por sus características artísticas, se propone a Juan del Corral como su posible autor
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Concepción de un arte peruano en la obra plástica inicial de Jorge Eielson
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2016-11-09) Castro Sajami, Carlos; Villegas Torres, Luis Fernando
¿Cómo comprender a un tipo producción artística que se denomina “peruana”? ¿Cómo diferenciar las enunciaciones varias que se conciben a sí mismas como parte de una cultura “peruana”? ¿De qué modo el arte se torna un medio expresivo capaz de expandir un sentido de peruanidad, es decir, de identidad? Interrogantes como estas surgen alrededor de la obra visual del artista peruano Jorge Eduardo Eielson (1924 - 2006), quien la despliega alrededor de tales cuestionamientos y configura una de las producciones plásticas más originales y reconocidas de nuestro campo artístico. Existe un buen número de estudios que se encargan de sus más mentadas creaciones visuales tales como la series continuas Paisaje infinito de la Costa del Perú (ca. 1958), los Quipus (ca. 1963), los conocidos Nudos (ca. 1969), y demás instalaciones y performances. Tales aproximaciones resultan valiosas para la comprensión de tan compleja y enriquecedora obra. Sin embargo, no existe aún un análisis de las piezas artísticas producidas hacia finales de la década del cuarenta del siglo pasado, salvo ciertas menciones que no llegan a profundizar en autores como Luis Rebaza Soraluz (2000, p. 215), Emilio Tarazona (2004, p. 31), Alfonso Castrillón (2004, p. 31), Martha Canfield (2002, p. 18), entre otros. Nos referimos, entonces, a la primera producción plástica de este singular creador, la cual establece una serie de denominadores comunes que serán expresados a lo largo de su trayectoria tales como la apelación a las culturas antiguas del Perú desde formatos pertenecientes al arte del siglo XX, la progresiva exposición espacial de su obra plástica, la experimentación por una pintura libre de academicismos, entre otros aspectos.
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Consumo de telas y grupos sociales en una comunidad monacal limeña : el Monasterio de Nuestra Señora del Prado
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2015-07-01) Grández Alejos, Haydée Manuela; Mariazza Foy, Jaime
En la presente investigación se destaca la importancia del tejido, como una manifestación de las artes decorativas en el Virreinato del Perú, a través del estudio de las vestiduras sagradas de la colección textil del Monasterio de Nuestra Señora del Prado, en la ciudad de Lima. La revisión de fuentes documentales en los archivos, junto al análisis técnico y formal de un muestrario de piezas representativas, permiten determinar su valor e importancia en la sociedad colonial. El textil, considerado una de las principales mercancías en el circuito comercial entre Europa y América, también fue un artículo apreciado en el mercado interno del Virreinato. Su gran demanda no sólo promovió leyes a favor de un mayor tráfico comercial marítimo, sino también la creación de obrajes que fabricaron ‘ropa de la tierra’ para satisfacer las necesidades locales. La suntuosidad de los ‘géneros de Castilla’ no pasó desapercibida para la clase noble y la Iglesia, quienes solicitaron la confección de trajes civiles y eclesiásticos a los gremios de sastres, encargados del trazo y corte de las telas, posiblemente basados en manuales de sastrería europeos. La adquisición de diversos tipos de tejidos determinó la formación de grupos sociales fuertemente jerarquizados, cuyo modelo se reflejaría al interior del monasterio. Se destaca el valor formal e iconográfico de las vestiduras sagradas, como un medio para expresar la revelación divina durante la liturgia cristiana.
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La Coronación de la Virgen con Santa Rosa de Lima: La música como trascendencia a las fuentes visuales europeas en la pintura de la escuela cuzqueña del siglo XVIII
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-02-03) Valenzuela Rocha, Bertrand Wilfredo; Michaud de del Valle, Cécile Anne
La iconografía musical, o el estudio de las manifestaciones musicales (principalmente organológicas) presentes en las obras de arte, es una disciplina humanística relativamente nueva, que hace su aparición en el último tercio del siglo XX. En el Perú, se trata, prácticamente, de una disciplina desconocida e inexplorada. La presente investigación es un primer paso en el desarrollo de esta disciplina en nuestro medio. A través del estudio de las fuentes iconográficas musicales presentes en las pinturas de la llamada Escuela cuzqueña de los siglos XVII y XVIII, esta investigación no sólo demuestra las diversas correspondencias entre la pintura de esta escuela y las prácticas reales de las capillas musicales del Virreinato peruano, sino, y lo que es más importante, las profundas vinculaciones del arte de la escuela cuzqueña con la realidad circundante y el pensamiento y sensibilidad de la sociedad colonial de su tiempo, más allá de estereotipos y formulismos derivados del arte europeo, principalmente, de la copia de grabados. La investigación, finalmente, pone en evidencia la importancia y necesidad de desarrollar estos estudios iconográfico- musicales en nuestro medio, ya que constituyen una valiosa herramienta para la Historia del arte.
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Crear y validar a un artista. Joaquín López Antay, su obra y el Estado (1940-1977)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-07-03) Ortiz Ortigas, Diego Alonso; Ramos Cerna, Horacio
La presente investigación analiza la obra del retablista ayacuchano Joaquín López Antay. Que este artista reciba el Premio Nacional de Cultura en 1975 provocó una polémica y un debate en torno a sus condición de artista. Sin perder de vista dicho debate, esta tesis realizó una vuelta al pasado para entender cómo la obra del artista se insertó en un espacio desconocido para él hasta que tuvo contacto con la pintora indigenista Alicia Bustamante. Pretendo demostrar que los cambios realizados al cajón sanmarcos tradicional, sugeridos por la pintora, no solo permitieron la creación de una tipología artística moderna como el retablo ayacuchano, sino que, por, sobre todo, introdujo a López Antay al mercado artístico urbano. Es en este nuevo espacio que él mantuvo características específicas de sanmarcos tradicional en la tipología moderna del retablo, creando espacios de resistencias visibles en su obra, así como en su modo de producir, pues hizo respetar su tiempo y espacio de creación. Analizados en diversos contextos sociales, económicos y culturales, donde el rol estatal jugó un papel puntual en la difusión de su obra, permiten comprender que el creador determinó su propia condición de artista al saber aprovechar los nuevos espacio y poder responder de manera concreta ante las críticas cuando se cuestionó su arte.
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Cuerpo, guerra y género: un acto de resistencia en la obra escultórica de 1980 al 2000 de Johanna Hamann
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-08-12) Carrillo García, Gabriela Caroline; Castro Sajami, Carlos Alfredo
La presente tesis estudia la producción escultórica de Johanna Hamann durante las décadas de los ochenta y los noventa. El objetivo de esta investigación es analizar la condición y valor significativo del cuerpo femenino en la obra escultórica de la artista, especialmente en un periodo crítico como la guerra interna. Para ello, este trabajo busca indagar sobre los principales referentes del imaginario visual de Hamann, interpretar interseccionalmente los principales significantes presentes en sus piezas escultóricas, explorar las percepciones y representaciones planteadas por los artistas respecto al cuerpo en la plástica peruana y, finalmente, abrir nuevas lecturas respecto a la materia, la subjetividad y el cuerpo en la plástica tanto peruana como latinoamericana. Para lograr estos objetivos, se parte de una mirada historiográfica enfocada en la Historia del Arte y el feminismo, una lectura que no solo despliega una iconografía diferente asociada al cuerpo femenino, sino que revela también hasta qué punto estos son objeto de inscripciones históricas específicas, atravesadas por tecnologías del abuso, sometidos a la violencia y la tortura instrumentada hacia los cuerpos de las mujeres. En ese sentido, este trabajo analiza de qué manera la producción escultórica de Johanna Hamann de las décadas de los ochenta y los noventa refleja y se enfrenta a la opresión experimentada por las mujeres peruanas durante este periodo. En pocas palabras, esta tesis examina la obra escultórica de Hamann explorando cómo la artista, influenciada por su experiencia y el contexto de la guerra interna en el Perú, aborda metafóricamente la vulnerabilidad del cuerpo femenino, resistiendo y revelando el dolor como signo de poder, en una posición política que trasciende las políticas feministas actuales.
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De la experimentación modernista a la difusión internacional del arte del Perú antiguo : la obra textil de Elena Izcue (1928-1935)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-12-25) Saco Vértiz Osterloh, Silvia Kathleen; Michaud de del Valle, Cécile Anne
El presente trabajo tiene como objetivo demostrar cómo la obra textil de Elena Izcue inspirada en el arte del Perú antiguo, desarrolló un modelo visual de arte peruano moderno que logra ingresar y consagrarse en el imaginario del arte internacional, durante el primer tercio del siglo XX. Es importante destacar que durante estos años se llevaron a cabo los grandes descubrimientos arqueológicos del Perú antiguo, los cuales enriquecieron el conocimiento del Perú prehispánico y generaron un impacto decisivo en el imaginario internacional. Será en este ambiente donde Izcue escribió su texto El Arte peruano en la escuela, obra ícono y su primer documento de amplia difusión internacional, que presenta los motivos prehispánicos como tema un innovador para la aplicación en las artes decorativas. Posteriormente en 1928, en la ciudad de París, Izcue experimentó en su obra textil la influencia de las vanguardías artísticas como el Art Déco, el Primitivismo y el Cubismo, logrando así crear un lenguaje de vanguardia que reinterpreta el arte del Perú antiguo. Finalmente, será en su exposición en la ciudad de Nueva York de 1935 donde su obra textil logrará un amplio despliegue y reconocimiento internacional, logrando así que el arte comtemporáneo peruano ingrese a la sociedad moderna y al mercado internacional del arte del siglo XX.
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De la ilustración gráfica a la pieza artística autónoma: modernidad y vanguardia en la xilografía de José Sabogal (1919-1929)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020-01-20) Valenzuela Suárez, Claudia Catherine; Villegas Torres, Luis Fernando
La presente investigación tiene por objetivo visibilizar una época crucial para la construcción de la imagen gráfica del grabado y la movilidad e intencionalidad de la imagen xilográfica, tanto en el medio artístico como en la prensa gráfica. Nos hemos valido de herramientas historiográficas para analizar el contexto y sus vínculos con personajes cruciales en la década de los veinte, así como establecer comparaciones entre las obras gráficas de Sabogal y las de otros artistas locales e internacionales. La investigación indaga en cómo se va disolviendo y entretejiendo los límites del objeto gráfico para convertirse en artístico, y como a través de esta imagen gráfica y xilográfica se visibiliza el influjo del movimiento simbolista yuxtapuestos y matizado con otros influjos como lo serán el primitivismo y expresionismo. Nuestro objetivo es determinar un período embrionario de la imagen xilográfica, a través de la producción de José Sabogal. Una etapa de construcción heterogénea, que se desplaza y moviliza por dos canales: el primero, como arte menor para ocupar un lugar en el campo expositivo, el segundo, correspondiente a la imagen xilográfica dialogante con el espectador a través de los libros ilustrados y las portadas de revistas. Y sobre todo, determinar a un Sabogal abierto a la experimentación formal nutriéndose de movimientos artísticos del pasado y de su época global contemporánea. A través de la obra xilográfica podemos desentrañar nuevos aparatos que difieren del campo ideológico político, para centrarnos en el estético y sus posibles vínculos, tanto con la modernidad de fin de siglo como con la vanguardia internacional europea. Esto no significa que en nuestro análisis vamos a soslayar el componente ideológico de las imágenes xilográficas, por el contrario, nuestra intención es demostrar que dicha dimensión conceptual interactúa con la concepción formal de su obra. Este proceso creativo de Sabogal lo revela en su contexto, como un agente cultural tanto local como global.
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Del cuerpo asesinado al cuerpo vivo segregado : Necropolítica, estado de excepción y biopolítica en la obra de Teresa Margolles
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2018-11-12) Oblitas Jordán, Raura Raquel; Hernánez Calvo, Max Alfredo
La presente investigación propone una lectura amplificada sobre la obra de la artista Teresa Margolles. Su trabajo ha sido investigado en relación con el cadáver y con la muerte violenta, aspectos que se consideran importantes pero insuficientes. Se propone hacer una presentación de su obra de modo que abarque la totalidad de su trabajo que incluye el cuerpo vivo y la señalización del problema social de marginación, segregación y precarización de la vida en el contexto político, económico y social de México contemporáneo. Se ha planteado una ruta interpretativa que mediante el análisis de un corpus de obras seleccionado y ordenado estratégicamente demuestre la construcción de una necropolítica situada y específica en su obra, así como la incorporación del cuerpo vivo como parte de una tarea crítica de señalización de las causas sociales y políticas de la violencia para el caso de México. Para ello se ha aplicado diversas teorías filosóficas de poder que han permitido evidenciar la relevancia política y de crítica social del trabajo de Teresa Margolles. Asimismo se ha propuesto el análisis de teorías de arte y de crítica institucional que permitieron demostrar que el trabajo de la artista también ha implicado la crítica al aparato institucional del arte contemporáneo. Así, se ha puesto énfasis en su rol y agencia como artista que realiza una suerte de desmontaje de un mapa social establecido para revelarlo en crisis.
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Del Cuzco a Rondocan: La serie de Los principales Misterios de la vida y muerte de Cristo nuestro Salvador y de la Virgen Santísima, su madre de Bernardo Bitti S.J.
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-11-11) Tejada Farfán, Andrea Giuliana; Michaud de del Valle, Cécile Anne
La serie sobre Los principales Misterios de la vida y muerte de Cristo nuestro Salvador y de la Virgen Santísima, su madre, elaborada por el pintor jesuita Bernardo Bitti S.J. (Camerino, 1548- Lima, 1610) para la iglesia del Colegio de la Transfiguración en Cuzco, a fines del siglo XVI, recientemente hallada en la iglesia Santo Tomás de Aquino, en el distrito de Rondocan, provincia de Acomayo en Cuzco, corresponde a uno de los hallazgos más importantes en la historia del arte peruano, debido a que es la única serie -conocida hasta el momento- realizada por el hermano jesuita, que además se ha conservado íntegra. La presente tesis inicia estableciendo un marco histórico desde la llegada de los jesuitas a la ciudad del Cuzco en 1571, hasta el año 1598, año en el que fue colocada en las paredes de la capilla mayor de la iglesia del Colegio de la Transfiguración, la serie de ocho lienzos sobre Los principales Misterios de la vida y muerte de Cristo nuestro Salvador y de la Virgen Santísima, su madre. Luego, se realiza la revisión artística de la estadía del hermano Bernardo en la ciudad del Cuzco, con la finalidad de destacar toda su producción artística conocida y existente que alberga dicha ciudad, así como resaltar la prevalencia de su temática. A continuación, mediante documentos de archivo, en particular el expediente inédito sobre el remate de los lienzos de la antesacristía del que fue el colegio jesuita en el siglo XVI, se realiza el recorrido que siguió la serie, desde la iglesia del Colegio de la Transfiguración en el Cuzco, hasta su actual emplazamiento en la iglesia Santo Tomás de Aquino de Rondocan. Por último, se desarrolla un estudio iconográfico e iconológico de la serie con diversas referencias visuales italianas, flamencas y centroeuropeas. También se propone un catálogo actualizado de su producción artística existente y ausente que ofrece referencias bibliográficas que han permitido la atribución de sus obras.
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Del Muro de Berlín a Museos y embajadas: La resignificación del grafiti de Thierry Noir como resultado de su reproducción y exhibición en espacios institucionalizados
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-03-05) Bachmann Barrios, Brian Richard; Tavera Tavera, Anita Cecilia
Esta tesis tiene como objeto de estudio la iconografía grafiti realizada por el artista francés Thierry Noir y los significados con los que se puede vincular su obra en dos momentos en concreto. El primer momento se desarrolla cinco años antes de la caída del Muro de Berlín, cuya materialidad fue usada por el artista a manera de lienzo para sus dibujos. El segundo momento se gesta luego de la caída, cuando ciertos espacios institucionalizados, como museos y embajadas, le solicitan reproducir esa iconografía a fin de exhibirla en sus instalaciones. La investigación propone, como resultado de la reproducción y exhibición del grafiti de Thierry Noir en estos espacios, que las narrativas construidas a partir de los discursos curatoriales e institucionales resignifican la obra del artista, debido al alejamiento del contexto y condiciones originales de su creación. Dicha resignificación alude a nuevos significados vinculados con la memoria y libertad, en contraste con el sentido primigenio de la intervención artística, que tuvo un carácter transgresor y de resistencia. En el primer capítulo argumenta que el grafiti realizado por Thierry Noir, durante el periodo 1984-1989, tuvo un significado vinculado a un arte transgresor y de resistencia. Posterior a la caída del Muro se ejemplifica, como un precedente de validación, la comisión del grafiti de Thierry Noir, en el memorial al aire libre conocido como East Side Gallery, creado en 1990. El segundo capítulo examina los nuevos espacios institucionales, donde el grafiti de Thierry Noir es encargado, reproducido sobre diferentes soportes y, finalmente, exhibido. A partir de ello, se elabora una aproximación que permita interpretar los procesos y criterios de validación a partir de los cuales se requirió específicamente al mencionado artista y a su tan característica iconografía. El tercer capítulo analiza la resignificación del grafiti de Thierry Noir al interior de estos espacios, en el sentido de las narrativas vinculadas con la obra visual, al ser parte de un discurso curatorial e institucional. Este análisis tiene como base los discursos de memoria y libertad y cómo estos funcionan a manera de guía, a fin de explorar las narrativas cuyo propósito es mirar, a través de grafiti de Thierry Noir, tanto el pasado como el futuro.
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Destrucción y reinvención de la plaza de Armas. Estilo neocolonial y modernización urbana en Lima, 1924-1954
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014-08-28) Ramos Cerna, Horacio; Majluf, Natalia
Esta tesis se enfoca en un episodio descuidado de la historia de la arquitectura peruana: la remodelación neocolonial de la Plaza de Armas de Lima, que tuvo lugar durante la década de 1940. Tal descuido no es casual, sino que se engarza en la imagen negativa que desde la segunda mitad del siglo XX se sostiene sobre el neocolonial como estilo y sobre la plaza como espacio público. El presente trabajo complejiza dicha imagen, a partir del estudio de los diseños y discursos que dieron sentido a la remodelación, así como de las percepciones sobre arquitectura y urbanismo que se encuentran expresadas en la prensa y caricaturas de la época. Cuando fue imaginada por primera vez en 1924 por Emilio Harth-terré, la remodelación conjugó las retóricas de modernización urbana y estilo nacional. Esto le confirió credibilidad entre el gremio de arquitectos e intelectuales, pese a que implicaba la destrucción de los portales coloniales de la plaza. El proyecto fue replanteado en 1939 con la colaboración de José Álvarez Calderón, y fue ejecutado entre 1940 y 1952. Hacia 1947, la credibilidad del proyecto fue mellada por la consolidación del concepto de “patrimonio” y por el ataque directo a la Agrupación Espacio, que buscaba consolidar el lugar del funcionalismo arquitectónico. A la vez que el neocolonial perdió credibilidad como estilo, nuevos espacios públicos se consolidaron fuera del centro tradicional de Lima. Se consolidó entonces una imagen negativa de la plaza y del neocolonial que hizo eco en la historiografía posterior.
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El dibujo de Tilsa Tsuchiya como obra final: simbología y construcción en su obra gráfica
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-11-17) Huertas Castañeda, Karina Victoria; Yllia Miranda, María Eugenia Rocío
La presente investigación tiene como objetivo identificar cómo el dibujo de Tilsa Tsuchiya logró consolidarse como una disciplina con la que la artista desarrolló una simbología que creció y evolucionó dentro de su obra plástica a través del uso de la línea y el soporte hasta convertirse en obra final. El dibujo en la obra de Tsuchiya se erige como un sistema autónomo de transmisión de ideas; una disciplina que ha encontrado una culminación y que se vale de sus atributos procesuales para generar un código de comunicación propio, como se advierte en las obras seleccionadas de 1968,1969, 1970 así como en sus colaboraciones de ilustración literaria.
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( ): Emei, actos de supervivencia: Un estudio sobre la artista Mercedes Idoyaga (Emei) su paso por Paréntesis y su devenir como activista en prácticas de arte-conflicto
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-10-30) Araníbar Conder, Marisella; Hernández Calvo, Max Alfredo
La presente investigación aborda el complejo entramado de prácticas artísticas y militancias políticas de la artista argentina Mercedes Idoyaga “Emei” (Buenos Aires, 1953). Para ello, se ocupa de la reconstrucción de su trayectoria artística en su paso por la escena del arte peruana hacia finales de la década de los 70 y su posterior desarrollo en la escena del arte argentina; así como su militancia política en el Partido Socialista Trotskista (PST /MAS /Nuevo MAS). Tal reconstrucción rastrea sus primeras experiencias de arte de producción colectiva alrededor del Grupo Paréntesis (1979) y el Festival de Arte Total Contacta 79 en Lima, Perú; su adopción del trotskismo a inicios de la década posterior y sus consecuencias en su pensamiento y prácticas creativas; hasta su participación, a través de acciones artístico-políticas, en las masivas movilizaciones desplegadas en Argentina a propósito del clima de dictaduras en el Cono Sur en la década de los 80 y 90, continuadas de manera espaciada hasta el día de hoy. La trayectoria de Emei, una que ocurre en conjugación pero también en posicionalidad crítica con el circuito oficial del arte contemporáneo, permite así recuperar objetos y acciones poseedores de una visualidad crítica en un contexto de producción que será denominado por la artística como uno de “movimiento de vanguardia movilizada”. Al analizar en clave feminista y de manera puntillosa la trayectoria de Emei, nos encontramos frente a la mirada y acciones de una mujer artista del circuito alternativo del arte, así como frente a la pregunta por el poder y la legitimidad en la escena del arte, desde una perspectiva de género, en primera persona.