Explorando por Autor "Hernández Calvo, Max Alfredo"

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El camino ancestral de las plantas
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-06-19) Barandiarán Guerra, Andrea Celeste; Alayza Moncloa, Gabriel Maria Enrique; Hernández Calvo, Max Alfredo
Crónica de un viaje hacia Adentro es un proyecto artístico basado en un proceso de aprendizaje y transformación personal el cual se concluye en dos libros de artista. Este se da a partir de una serie de viajes realizados hacia la selva, donde permanezco en el Centro de Desarrollo Integral Dos Mundos, Yurimaguas, recibiendo el tratamiento de salud integral que se brinda con plantas de la región. A partir de la primera experiencia de sanación, regreso a internarme en el centro con objetivos concretos de investigación artística, que van de la mano con la transformación personal que se da en cada proceso. Así, el objeto de estudio a través del cual se aborda el tema es el viaje interior, realizado mediante el viaje exterior a Dos Mundos. A lo largo de este proceso encuentro la evidencia de una transformación psicológica en el registro de las bitácoras de viaje. Así, el proyecto consiste en la creación de un libro-crónica a través del archivo, donde la narración de mi experiencia se nutre de cada bitácora. Dentro de estas se incluyen apuntes, dibujos, fotos, estudios del natural, acuarela, pintura visionaria1, etc. La primera etapa del proyecto se basa en mi experiencia de sanación a través del camino de las plantas. La segunda etapa es la afirmación de este camino. Encuentro este conocimiento ancestral esencial para la salud, el desarrollo y el despertar de la conciencia humana, y a su vez, observo que está siendo olvidado, ignorado o tergiversado por el chamanismo moderno. De esta manera, propongo investigar y profundizar en el mismo, extendiendo finalmente el internamiento en el CDI por un año (2021).
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Ecoficciones y procesos artísticos: la producción de obras artísticas y la relación simbólica con el territorio habitado y construido
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-05-06) Villavicencio Monti, Karla Paola; Hernández Calvo, Max Alfredo; Escribens Bacigalupo, Alessandra
This article intends to explain the different possibilities of representation of what we will call “fictional ecosystems”, being imaginary ecosystems that are developed through visual representation, highlighting their importance to establish, develop and maintain a connection with the inhabited territory, as fundamental relationship to build a society that questions the subjectivities established in the coexistence with the natural, humanized and collective environment. Thus, an explanatory line is developed, which answers the following question, can elements of visual representation be used for the creation of “fictional ecosystems” that help to question the relationship that we build with our natural and humanized ecosystems in the contemporary environment and its corresponding problems? The answer is built through a methodology created using two phases of analysis. An explanatory line is drawn through artistic proposals made in Peru, developed on different supports and using various means, such as painting, drawing, installation and video art. The first phase called “Ritualized Territory and Creation” deals with the relationship between own experiences in the territory of the artists and their creative processes; the second phase “Territory and Cultural Imaginaries”, highlights the intrinsic link between the experiences established in the previous phase and the construction of imaginaries that enable to question our cultural and ethical environment. It is attempted to highlight the importance and the fundamental role of the abovementioned representations as a bridge for a better understanding of the framework of subjectivities that triggers the relationship between natural and humanized ecosystems. This methodology will be explained through the development of four projects: “Abglutia”. “Peligro de Extinción”, “Natural Sense Making” and finally, “Pestes”. Through the analysis of these projects, it is recognized that the visual representations of these fictional ecosystems are useful and necessary to develop a critical view that promotes introspection and questioning about the relationship with our natural environment and the ecosystems that have influence on it, enabling to establish in our collective relationships the development of a symbolic relationship with the territory that we inhabit and build.
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( ): Emei, actos de supervivencia: Un estudio sobre la artista Mercedes Idoyaga (Emei) su paso por Paréntesis y su devenir como activista en prácticas de arte-conflicto
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-10-30) Araníbar Conder, Marisella; Hernández Calvo, Max Alfredo
La presente investigación aborda el complejo entramado de prácticas artísticas y militancias políticas de la artista argentina Mercedes Idoyaga “Emei” (Buenos Aires, 1953). Para ello, se ocupa de la reconstrucción de su trayectoria artística en su paso por la escena del arte peruana hacia finales de la década de los 70 y su posterior desarrollo en la escena del arte argentina; así como su militancia política en el Partido Socialista Trotskista (PST /MAS /Nuevo MAS). Tal reconstrucción rastrea sus primeras experiencias de arte de producción colectiva alrededor del Grupo Paréntesis (1979) y el Festival de Arte Total Contacta 79 en Lima, Perú; su adopción del trotskismo a inicios de la década posterior y sus consecuencias en su pensamiento y prácticas creativas; hasta su participación, a través de acciones artístico-políticas, en las masivas movilizaciones desplegadas en Argentina a propósito del clima de dictaduras en el Cono Sur en la década de los 80 y 90, continuadas de manera espaciada hasta el día de hoy. La trayectoria de Emei, una que ocurre en conjugación pero también en posicionalidad crítica con el circuito oficial del arte contemporáneo, permite así recuperar objetos y acciones poseedores de una visualidad crítica en un contexto de producción que será denominado por la artística como uno de “movimiento de vanguardia movilizada”. Al analizar en clave feminista y de manera puntillosa la trayectoria de Emei, nos encontramos frente a la mirada y acciones de una mujer artista del circuito alternativo del arte, así como frente a la pregunta por el poder y la legitimidad en la escena del arte, desde una perspectiva de género, en primera persona.
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Más allá de la sublimación. Apuntes sobre la confrontación y violencia en el arte contemporáneo
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014-05-16) Hernández Calvo, Max Alfredo
El siguiente trabajo tiene por objeto examinar los alcances críticos de la teoría psicoanalítica confrontada a ciertas exigencias (estéticas) del arte contemporáneo. Este examen es, en breve, el de las relaciones entre modos de producción (artísticos) y modelos de interpretación (psicoanalíticos). Esta distinción se ve reflejada, a su vez, en la doble perspectiva que ha guiado la investigación, la de un artista visual y la de un estudioso/crítico del acontecer artístico (desde la escritura y la curaduría). La tesis aborda, en primer lugar, cuestiones teóricas y metodológicas referidas a la relación arte / psicoanálisis. Tal relación se enmarca históricamente incidiendo en el subtexto romántico que se desliza de su empalme, entrañado en la visión freudiana que hace de la noción de conflicto psíquico el eje articulador entre ambos campos. A partir de la concepción de la creación como un asunto del interior aparece la implícita figura del contenido (y lo contenido). En las dos primeras secciones (punto 1 y 2 respectivamente) se tratan inicialmente consideraciones básicas propias de los órdenes del símbolo y el signo (la noción de contenido y contenedor se sofistica en tales términos). Allí se busca señalar los rasgos problemáticos que presenta la concepción de símbolo, implícita en la teoría psicoanalítica clásica como presupuesto interpretativo, de cara a la práctica artística y la teoría estética. Este punto capitaliza especialmente las teorías psicoanalíticas sobre el símbolo de Lorenzer y de Rosolato.
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Más allá del pop achorado : una propuesta de relectura de los afiches de Jesús Ruiz Durand para la reforma agraria del gobierno de Juan Velasco Alvarado
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017-02-13) Sánchez Flores, Miguel Antonio; Hernández Calvo, Max Alfredo
Esta tesis parte del estudio de los veinticuatro afiches que el artista peruano Jesús Ruiz Durand (Huancavelica, 1940) (Huancavelica, 1940) diseñó entre los años 1969 y 1971 en la Dirección de Promoción y Difusión de la Reforma Agraria, DPDRA, organismo oficial creado por el gobierno militar de Juan Velasco Alvarado (1968-1975), cuya función principal era la de comunicar y difundir las acciones gubernamentales relacionadas con la reforma agraria que expropió las tierras a sus dueños y las repartió entre los campesinos peruanos bajo la consigna “¡Campesino, el patrón ya no comerá más tu pobreza!”. La investigación propone que la categoría estético-ideológica del pop achorado, establecida por el mismo Ruiz Durand en 1984 al referirse a sus afiches, y adoptada por la historiografía del arte peruana como un axioma, es parcial y da una percepción equívoca de la trascendencia de estos objetos. Por un lado, la tesis formula que hemos estudiado y pensado los afiches como un todo, cuando en realidad no lo son. Nuestra propuesta señala que esta lectura es incompleta dado que en total existen subconjuntos, muy precisos, que no necesariamente dialogan con la descripción de pop achorado. Es decir, no todos se resuelven a partir de la estética del pop art y, por el lado ideológico, tampoco todos representan al indio peruano achorado como sinónimo de desafío e insolencia. En el primer capítulo de esta investigación se propone una nueva clasificación para el conjunto de los afiches. Esta categorización asume que solo uno de los subconjuntos presentados se relaciona parcialmente con la categoría pop achorado, mientras el resto de ellos se configura a partir de otras resoluciones artísticas y temáticas. En esta nueva clasificación, aquí propuesta, se prioriza los ejes estéticos, sin que ello suponga descuidar los temáticos. Así, por ejemplo, los dos afiches relacionados con la figura de Túpac Amaru se integran conceptualmente a partir de la búsqueda de un ícono revolucionario, pero también lo hacen a partir de su resolución óptica matemática. El segundo capítulo plantea, sobre la base de esta nueva clasificación, algunos nuevos planteamientos de análisis para los afiches. Estas propuestas priorizan aspectos aparentemente técnicos como la fotografía, el diseño gráfico y el cómic. La investigación expone, a partir de estas nuevas categorías de análisis, nuevos trazados para futuras y distintas aproximaciones estéticas sobre estos nuevos tres trazados. Finalmente, el último capítulo cuestiona la eficacia de estos afiches en el plano de la recepción hacia los campesinos peruanos. La tesis en su conjunto también plantea que si bien su acercamiento oficial los validó en términos artísticos, este mismo acercamiento los convirtió, con el paso del tiempo, ya no en afiches sino en fetiches descontextualizados. La pregunta que subyace es ¿Cómo y cuándo así estos afiches dejaron de ser dispositivos de propaganda política para convertirse en obras de arte para coleccionistas y museos? Una primera respuesta tiene que ver justamente con el cliché no cuestionado de una categoría que los uniformizó como una mercancía, pero también con el fracaso del gobierno velasquista que devino en una crisis institucional en el que triunfó un modelo político y económico excluyente, encargado de construir, muchas veces a partir de mitos, la historia oficial. En suma, esta investigación propone que los afiches que el artista peruano Jesús Ruiz Durand diseñó para la reforma agraria han sobrevivido no solo porque “gustaron”, como muchos ahora repiten, sino porque justamente fueron pensados, desde el comienzo, para una reducida institución artística y política, asegurando así su perpetuidad pero a la vez descuidando así paradójicamente al otro para quienes estaban pensados, es decir, a aquel campesino peruano, aparentemente develado como actuante principal del mensaje, que luego de casi cincuenta años, a diferencia de los afiches, sigue olvidado.
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Un nuevo imaginario para la amazonía peruana : la práctica artística de César Calvo de Araújo y Antonio Wong (1940-1965)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017-02-13) Vidarte Basurco, Giuliana; Hernández Calvo, Max Alfredo
Hacia 1940, ya se había consolidado un imaginario de la Amazonía peruana sobre la base de tópicos como “el pueblo sin tiempo” o “el paraíso del diablo”. Estas categorías habían sido construidas y sustentadas a través de las imágenes que se presentaban en diversas publicaciones periódicas y, a partir, de narrativas presentes en la literatura y en los discursos oficiales del Estado peruano. En la presente tesis se analiza la manera en la que los artistas amazónicos César Calvo de Araújo y Antonio Wong Rengifo afirman un nuevo imaginario amazónico frente a los tópicos ya mencionados, a través de su práctica pictórica y fotográfica. Se analizará como Calvo de Araújo lleva a cabo, en 1963, dos murales para el Palacio Municipal de Maynas: el descubrimiento del Amazonas por parte de Francisco Orellana, en 1542, y la llegada de los vapores enviados por Ramón Castilla a la aldea de Iquitos, en 1864. Con estas obras el pintor crea imágenes fundacionales para la ciudad y base para la identidad histórica de la región, y se enfrenta a los paradigmas que representaban a la Amazonía como la región sin historia. De otro lado, se estudiará cómo Antonio Wong Rengifo, entre 1940 y 1960, desarrolla un trabajo fotográfico, que además traslada a las postales, y que constituye la base para una renovación del tópico de “el paraíso del diablo”. El fotógrafo lo hace al representar un paisaje estetizado y un retrato de los amazónicos en medio de sus labores de trabajo cotidiano, especialmente la pesca y actividades comerciales. De esta manera, busca transformar la visión de una geografía amazónica como un espacio corruptor y de los sujetos como salvajes.
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El proyecto de vanguardia surrealista de César Moro en la exposición de 1935
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017-10-09) Cano Erazo, Nuria Andrea; Hernández Calvo, Max Alfredo
En 1935, el artista César Moro organizó una exposición que tuvo un carácter innovador y vanguardista que no ha sido debidamente valorado por la Historia del Arte peruano. Tal es la tarea que este proyecto de tesis se ha propuesto. En esta investigación, se describe y explica el contexto artístico de la época en el que la pintura indigenista se había constituido como arte hegemónico frente al cual Moro irrumpe con su nueva propuesta Surrealista a partir de la exposición mencionada. Esta aproximación implicará reconocer su base intelectual y artística, es decir, el interés manifiesto por el psicoanálisis que pudo cultivar por su cercanía al Hospital psiquiátrico “Víctor Larco Herrera” y a través de su experiencia con el grupo surrealista en su estadía en Francia. Para ello, su proceso creativo se analiza e interpreta de forma minuciosa en este trabajo aplicando el método retórico con lo cual se demuestra la interpretación que tenía Moro de la realidad artística, además de su intención de insertar nuevos procedimientos a las artes plásticas en el Perú.
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Las tramas del arte contemporáneo: el LiMac de Sandra Gamarra Heshiki (2002-2017)
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-01-22) Gómez de la Torre Matos, Fiorella Belén; Hernández Calvo, Max Alfredo
El Museo de Arte Contemporáneo de Lima (LiMac), creado en el 2002 por Sandra Gamarra, es un museo ficticio que cuenta con una colección, un catálogo, publicaciones, exhibiciones e incluso souvenirs. Todo ello en el LiMac se vuelve representación y nos permite revelar las tramas de la institución artística. El LiMac nos permite estudiar el tramado institucional del arte en el Perú a finales de los años 90. Por un lado, como algunos han esbozado, surge como respuesta a la ausencia de un museo de arte contemporáneo de Lima, pero no solo revela eso. El LiMac es el resultado de una educación modernista; pone en evidencia la falta de una institucionalidad artística y la emergencia de un mercado del arte. En esta obra se pone en evidencia el plano personal (la vida de Sandra Gamarra, su formación en la PUCP, la economía en la década de los 90 en el Perú) y el plano institucional (la aparición de una nueva escena de galerías, el rol del museo, la llegada del arte contemporáneo, entre otros aspectos).
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La transferencia en la cura psicoanalítica de Jacques Lacan y André Green
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017-02-06) Flores Galindo Rivera, Carlos Raúl; Hernández Calvo, Max Alfredo
El objetivo de esta investigación es describir las construcciones teóricas de Jacques Lacan y André Green sobre la transferencia en la cura psicoanalítica. Ambos autores tienen un origen teórico común en tanto sus constructos están basados en la obra de S. Freud. Sobre este punto de partida encuentro dos usos muy distintos de la transferencia en la búsqueda de una cura que mantiene características comunes. La principal diferencia está en que A. Green usa la contra transferencia como parte de su interpretación en transferencia. Mientras Lacan, en el sentido indicado por Freud, descarta el uso de la contra transferencia atribuyéndosela al propio analista. En estos dos usos de la contra transferencia encuentro que para Green el analista reconoce la tremenda influencia que tiene sobre el analizado y la utiliza para buscar su cura, mientras que Lacan propone un psicoanálisis que se sustenta en no usar este poder y orienta su final, su cura, a un analizante que se libera de la influencia del psicoanalista.