Teatro

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El actor - danzante en búsqueda del diablo puneño
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2018-07-23) Maúrtua Salvador, Milsa Daniela; Béjar Miranda, Marissa Violeta
La Diablada es una danza que se practica en diversas regiones andinas y altiplánicas de América del Sur, entre ellas, Puno. Esta danza ha sido objeto de varios estudios, sin embargo, no precisamente desde las artes escénicas. Por lo tanto, existe una gran carencia con respecto a estudios que identifiquen elementos teatrales dentro de este fenómeno. En este sentido, la presente investigación parte del diseño de un laboratorio donde se ponen a prueba distintas técnicas y teorías teatrales y de la danza con la finalidad de analizar la construcción del personaje del DIABLO desde la mirada del actor – danzante basándose en la sistematización de la interrelación que se establece entre el artista y los elementos tangibles y no tangibles que constituyen dicho personaje. Considero que este es un primer paso para revelar la dimensión teatral existente en las danzas folklóricas, además de crear un espacio de diálogo ente ambas disciplinas donde se intercambien herramientas con respecto a la construcción de personajes. De esta forma, se revelan nuevos mecanismos que podrán ser utilizados por los danzantes para abordar personajes de las danzas folklóricas con el objetivo de enriquecer la construcción de estos y potenciar la historia que cada danza busca contar. De la misma manera, el actor de teatro identifica y visibiliza los elementos teatrales existentes en las danzas folklóricas y tiene la posibilidad de poner en práctica las técnicas utilizadas por el danzante en favor de su entrenamiento corporal y método de aproximación a un determinado personaje. En resumen, la presente investigación propone tomar al personaje del DIABLO perteneciente a la danza de la Diablada puneña como un reto de creación desde la mirada actoral y como inspiración para la creación de nuevas realidades escénicas.
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Un actor a tempo. El jazz como estímulo en la generación del ritmo a partir del uso de la máscara neutra de Jacques Lecoq como herramienta para entrenar el timing actoral
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-06-22) Abad Abregu, María Isabel; Arana Reyes Escobar, Diego Alejandro; Lazaro de Ortecho, Jose Manuel
El término “timing” es comúnmente utilizado en la formación actoral y el trabajo escénico; no obstante, su concepto no ha sido sistematizado bajo la denominación mencionada. Por ende, no se explica a los actores y actrices cómo llegar a obtenerlo. Por lo tanto, con esta investigación, se propone un concepto de timing y se busca sistematizar un entrenamiento del mismo, mediante el género musical jazz y lo propuesto por Jacques Lecoq en la máscara neutra. De esta manera, será necesario analizar el jazz como estímulo para el principio de ritmo trabajado en el uso de la máscara neutra como herramienta de entrenamiento para el timing actoral. Además, se contará con otras investigaciones que aportan al ámbito musical y al actoral. Entre las fuentes principales de este trabajo, resaltan Jacques Lecoq, quien expone su pedagogía con la máscara neutra; Henkjan Honing, que profundiza en el timing desde el campo de la música; y José Martínez, quien explica el jazz y sus principios swing y free playing. Para comprobar la hipótesis de esta investigación, se realizó un laboratorio presencial. En este, se utilizaron ejercicios de la pedagogía de Lecoq con la máscara neutra, y se incorporaron diversas piezas de los subgéneros del jazz a modo de estímulo sonoro. Como resultado, se obtuvo una evolución del sentido del timing en cada participante. Esto fue plasmado en el proceso del laboratorio y en la muestra final del mismo. Así, comprobamos que el free playing del jazz estimula el principio de ritmo trabajado por Lecoq. Pues, desarrolla una asociación entre referencias musicales y expresiones corporales, potenciando la creatividad activa de los y las participantes. De esta manera, se genera un entrenamiento en el cual el sentido musical y rítmico le brinda al intérprete un swing al accionar, y, por ende, un mejor manejo del timing.
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El actor creador y los objetos, la construcción del personaje de Medea sobre la base de la metodología de formación interpretativa de Jorge Eines
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020-10-14) Zumaita Lopez, Hillary; Castaño Garcia, Vera Rocio
El presente estudio se propone abordar el proceso creativo del actor a partir de su vínculo con los objetos en escena, en base a la metodología interpretativa de formación que propone el director Jorge Eines, para la construcción del personaje de Medea de la obra MEDEAS de Alejandro Alva. La investigación describe los hechos y descubrimientos más significativos encontrados durante el proceso de construcción del personaje en un laboratorio de investigación actoral que se desarrolló a lo largo de treinta y nueve sesiones. El objetivo principal de este estudio es dar a conocer el importante aporte que trae el planteamiento del trabajo de Eines con respecto a la propuesta de exploración con los objetos a través de un estudio de caso. Hacia el final de la investigación, las conclusiones apuntan a señalar los hallazgos más relevantes, que surgieron a partir de la exploración sensoperceptiva del actor en relación al uso de ciertos objetos que destacaron en el proceso exploratorio por generar importantes transformaciones a nivel físico, ideológico o simbólico para la construcción del personaje de Medea.
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Actrices no siendo actrices: el rol de la dirección en un laboratorio introspectivo con tres actrices jóvenes a partir de su condición como mujeres en las artes escénicas
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-04-01) Guillen Benavides, Lorena; Pastor Rubio, Lorena Maria
Esta investigación analiza el proceso de creación de la pieza escénica audiovisual: Actrices no siendo actrices desde la dirección, a partir de la ejecución de ejercicios introspectivos en un laboratorio con tres actrices desde su condición como mujeres en las artes escénicas. En primer lugar, entraremos en contexto con conceptos como: ejercicios introspectivos, teatroterapia, y estudios de género en las artes escénicas. Siguiendo con la metodología, donde se desarrolla en tipo de investigación y las herramientas metodológicas desde el rol de la dirección y la ética profesional. Terminaremos analizando el proceso creativo del laboratorio de mujeres, que tuvo una duración de tres meses y fue realizado virtualmente, igualmente que el análisis del archivo escénico audiovisual: Actrices no siendo actrices, donde encontraremos tres monólogos y una reflexión final por cada actriz. La investigación busca generar espacios de dialogo, contención y protesta entre mujeres sobre problemáticas y reflexiones en el entorno personal, educativo y profesional. A demás, de hacer consciente la ética profesional desde la guía en procesos de creación apoyándose en el cuidado y acuerdos, desarrollando un proceso colaborativo horizontal.
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La adaptación desde el lenguaje cinematográfico al teatro musical: análisis estructural del caso Waitress
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020-07-21) Pereyra Tarazona, Viviana Isabel; Luque Bedregal, Gino
El presente trabajo tiene como objetivo analizar la adaptación desde el lenguaje cinematográfico al teatro musical. Para este fin, se tomó Waitress como caso de estudio enfocado en los cambios estructurales de un género al otro. Se escogió esta obra, ya que se trata de un musical -basado en la película del mismo nombre- que ha pasado por las plazas teatrales más importantes a nivel mundial y ha tenido así un éxito superior al de la película. La pertinencia y relevancia del presente documento yace en el limitado contenido académico dedicado al género del teatro musical: a pesar de ser una disciplina que gana cada vez más espacio en la agenda cultural, la investigación académica no le ha dado la misma importancia. Siendo esta aseveración especialmente verdad en el ámbito peruano actual, este trabajo es una pieza de estudio que sumará a la creación de contenido académico específicamente dedicado a los musicales. El trabajo se basa en un análisis a nivel estructural dramático-narrativo. Para esto se contrastan ambos géneros a partir del modelo de estructura dramática de cine de Field (2005) y el modelo análogo para teatro musical de Castellanos (2013). La teoría de adaptaciones utilizada como base del análisis corresponde a Hutcheon y O’Flynn (2013): el análisis explora cinco dimensiones a fin de validar la hipótesis que dice que ambos lenguajes pueden generar equivalente efecto emocional en el espectador (identificación). La conclusión principal es que las modificaciones realizadas desde la versión de cine hacia la de teatro musical logran el objetivo de crear una identificación semejante entre ambos géneros. No obstante, el teatro musical lo consigue valiéndose de sus propios recursos, como la música y la comedia, y de la principal regla intrínseca al género: la convención de realismo coexistente con música.
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El afrontamiento del estrés del actor en formación en el proceso creativo del curso de Introducción a la Actuación 2 y Actuación 2: un estudio de caso en la especialidad de teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-01-14) Valdivia Cuadrado, Andrea Silvana; Gibbons Valdeavellano, Urpi María
Esta investigación aborda las estrategias emocionales y herramientas actorales que un grupo de estudiantes de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú emplean para el afrontamiento del estrés durante el proceso creativo en los cursos de Introducción a la Actuación 2 y Actuación 2. Este es un estudio de caso realizado a partir de entrevistas a estudiantes, a través de las cuales se intenta identificar los estresores a los que se han expuesto los jóvenes en estos cursos, asimismo, el desenvolvimiento personal de cada uno de los alumnos en ambos semestres y las herramientas actorales que emplean para afrontar el estrés. Para aportar a la investigación desde la perspectiva académica, se entrevistó también a tres profesores. La investigación surge de la necesidad de analizar y profundizar respecto al estrés del actor, ya que consideramos que la salud mental del estudiante de Teatro es fundamental para el óptimo desempeño personal y artístico que cada uno mantenga en el proceso creativo. De esta manera, se responde a la pregunta principal: ¿de qué manera un grupo de estudiantes de teatro de la Pontificia Universidad Católica del Perú afrontan el estrés dentro de un proceso creativo en los cursos de Introducción a la Actuación 2 y Actuación 2? En ese sentido, a través de las entrevistas recolectadas, se encontraron los siguientes resultados en la investigación: las herramientas actorales que el grupo de estudiantes empleó fueron el trabajo de las acciones físicas, los ritmos del esfuerzo, los elementos de la naturaleza en la máscara neutra, los puntos de vista escénicos, la diana, la técnica de la repetición y la danza personal.
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Al Deseo de Seguir Viviendo: Performance feminista, visualidad y reivindicación del cuerpo político de la mujer
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-06-19) Gutierrez Almanza, Gabriela Alejandra; Medina Hu, Lucero Caroll
La presente investigación se realiza desde las artes escénicas, cuyo objetivo fue la creación de la pieza performática “Al deseo de seguir viviendo”. Se trabajó desde un laboratorio de creación e investigación, cuya base conceptual fue el cuerpo de la mujer como herramienta política que busca la reivindicación a partir de la violencia de género ejercida sobre nuestros cuerpos. El laboratorio fue concebido como un espacio seguro para el diálogo y la exploración, la relación entre mi compañera y yo provino del soporte, el afecto y sobre todo, el respeto a nuestros propios límites en el momento de trabajar. Gracias a este espacio seguro, pudimos acercarnos con responsabilidad y cuidado a tres casos específicos de feminicidios, Solsiret Rodríguez, Marisol Estela Alva y Shirley Enriquez. Es importante aclarar que la pieza performática no fue una interpretación o escenificación de sucesos violentos, sino que partió desde el deseo de transformar la violencia sobre nuestros cuerpos y lograr la reivindicación sobre nosotras, nuestros cuerpos y nuestras historias de vida más allá de la violencia de género que atravesamos. En este sentido, la performance “Al deseo de seguir viviendo” se realizó en un espacio abierto, introduciendo al espacio diversos medios performáticos como mi cuerpo, los cuerpos de mis compañeras, las presencias ausentes mediante el uso de la ropa como puente a la resignificación de sus cuerpos, y de manera transversal, la caminata sostenida que nos permite transitar y anunciarnos en el espacio.
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Análisis del trabajo corporal en la obra Gnossienne de la Compañía de Teatro Físico
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-12-17) Rebaza Zarate, Andrea Yaremis; Bustamante Siura, Adolfo Guillermo
El presente documento tiene como objetivo analizar de qué manera se desarrolla el trabajo corporal de la obra Gnossienne de la Compañía de Teatro Físico, para lo cual se indaga en la línea de investigación sobre Jacques Lecoq que aborda la compañía, con enfoque en el trabajo de las máscaras y la Geodramática, y, además, en las técnicas que se emplean en el montaje: la acrobacia y la manipulación del objeto, con énfasis en la técnica circense del acroportes y del coreógrafo Pierrick Malebranche, respectivamente. De tal manera, el presente trabajo pretende ser una interpretación de la apropiación de la metodología de Lecoq y se propone brindar herramientas para la comprensión de una gramática corporal del teatro físico. El análisis se da a partir de la examinación de los recursos e insumos creativos que formaron parte del proceso de construcción de la obra, la información se toma de los testimonios individuales de los miembros de la compañía, lo cual permite una propuesta de descomposición técnica del total del montaje para una distinción detallada del trabajo corporal. Finalmente, esta investigación da cuenta de la metodología de Lecoq como posibilitador de la integración de técnicas interdisciplinarias para la composición escénica, ya que se resuelve que su aporte esencial en Gnossienne consiste en ejercer el sentido de libertad que permite ampliar lo lúdico y definir la especificidad para representar escénicamente el imaginario del colectivo a través de un lenguaje físico, particular, preciso y con detalle, el cual mantiene a las corporalidades cohesionadas en función a la liminalidad como tema transversal de la obra.El presente documento tiene como objetivo analizar de qué manera se desarrolla el trabajo corporal de la obra Gnossienne de la Compañía de Teatro Físico, para lo cual se indaga en la línea de investigación sobre Jacques Lecoq que aborda la compañía, con enfoque en el trabajo de las máscaras y la Geodramática, y, además, en las técnicas que se emplean en el montaje: la acrobacia y la manipulación del objeto, con énfasis en la técnica circense del acroportes y del coreógrafo Pierrick Malebranche, respectivamente. De tal manera, el presente trabajo pretende ser una interpretación de la apropiación de la metodología de Lecoq y se propone brindar herramientas para la comprensión de una gramática corporal del teatro físico. El análisis se da a partir de la examinación de los recursos e insumos creativos que formaron parte del proceso de construcción de la obra, la información se toma de los testimonios individuales de los miembros de la compañía, lo cual permite una propuesta de descomposición técnica del total del montaje para una distinción detallada del trabajo corporal. Finalmente, esta investigación da cuenta de la metodología de Lecoq como posibilitador de la integración de técnicas interdisciplinarias para la composición escénica, ya que se resuelve que su aporte esencial en Gnossienne consiste en ejercer el sentido de libertad que permite ampliar lo lúdico y definir la especificidad para representar escénicamente el imaginario del colectivo a través de un lenguaje físico, particular, preciso y con detalle, el cual mantiene a las corporalidades cohesionadas en función a la liminalidad como tema transversal de la obra.
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Aplicación de un taller de juegos teatrales para la creación de un espacio de convivencia e integración entre adolescentes en el contexto educativo público
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-07-15) Scargglioni Garay, Paloma; Pastor Rubio, Lorena Maria
La presente investigación se basa en la aplicación de un taller de teatro, en un plano teatral lúdico, a un grupo de treinta y dos alumnas y alumnos adolescentes del segundo grado de secundaria de la Institución Educativa Fe y Alegría. La elección de este público objetivo gira en torno a la validez que tiene el teatro como herramienta capaz de crear un espacio en el que el adolescente pueda expresarse libremente junto a otros, jugar dentro de sus historias y poder realizar reflexiones al respecto. Estas ficciones funcionan como simulaciones del mundo real en la que ellos/as mismos/as reaccionan sin intimidación u opresión. La habilidad de explorar dimensiones creativas e imaginativas en dicha edad les permite disponer de su voz y cuerpo a nivel colectivo, ya que no hay alguna disciplina escolar en la secundaria que se concentre principalmente en la integración creativa del adolescente. La metodología se estructura como un taller de teatro básico, con las disciplinas de presentación, expresión, creación y retroalimentación, cuyos ejercicios se basan en juegos en los que la experiencia prima para el análisis del adolescente en el espacio creativo. Consideramos la importancia de esta investigación desde el plano personal, pero también como preocupación por la satisfacción de necesidades de dimensiones más humanas como el sentido de pertenencia, pueden trabajarse en un espacio de escucha que las artes escénicas poseen. El propósito de esta investigación es conseguir proyección social en aquellas áreas donde actualmente las artes escénicas no tienen adecuado alcance. Si bien, el mejoramiento social puede ser considerado por algunas personas como un objetivo utópico, postulamos la validez educativa del teatro para ayuda a alumnos/as en cuanto al desarrollo de habilidades sociales como educandos y en su interacción personal, al disponer de juegos y herramientas teatrales que cuya aplicación redundará en beneficio social de los jóvenes limeños/as
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Los aportes del Gran Guignol en la búsqueda de una mirada escénica contemporánea de Edipo Rey
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021-12-06) Perez Heredia, Alejandro Enrique; Chiarella Viale, Mateo
La siguiente investigación tiene como objetivo proponer una lectura contemporánea de la obra Edipo Rey desde la perspectiva del Grand Guignol. A través de la revisión del Grand Guignol como estilo teatral propio del género de terror, y de las características esenciales de la obra de Sófocles, imaginamos cuáles serían las bondades de utilizar el universo del Guignol para ofrecer lineamientos hacia una puesta en escena que conversase con nuestro aquí y ahora. Sin duda, la monstruosidad en el ser humano, como concepto fundamental, será un pilar para la propuesta final; sin embargo, los aportes del Guignol se circunscriben también al uso del espacio, la actuación, los efectos sonoros, el trabajo con el público, los efectos especiales, el gore, etc. No es nuestra intención hacer un mero ejercicio estético, sino dar cuenta de cómo el Grand Guignol es un estilo vigente con un lenguaje y una estética propia, capaz de ayudar a potenciar discursos escénicos
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El arte escénico y su contribución en el proceso de sanación de deudos de violencia política. El caso de la performance Rosa Cuchillo del grupo Yuyachkani
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2022-08-31) Rocha Lavado, Tatiana Pamela; Villanueva Bustios, Jorge Luis
Esta investigación busca reflexionar sobre el uso del lenguaje escénico en el teatroperformance como vehículo de sanación para quienes han sido víctimas de violencia política en el Perú y, específicamente, en el departamento de Ayacucho. Mediante el análisis del tránsito de la performer, el uso y significación de los objetos en escena, el espacio escénico y el ritual de florecimiento final de la performance Rosa Cuchillo del grupo Yuyachkani; se pretende determinar de qué forma estos aspectos contribuyen a lograr una reparación simbólica para los deudos ayacuchanos de violencia política durante el Conflicto Armado Interno. Se partirá del término “reparación simbólica” para identificar los requisitos que debería cumplir la performance para poder ser considerada como tal. Además, en el análisis serán incluidas las impresiones de nueve entrevistados ayacuchanos y otros aspectos de la performance que brindarán una visión más amplia del panorama sobre el que se discutirá. Así, se espera proporcionar una serie de posibilidades de abordaje del lenguaje escénico de una performance para que cada artista pueda utilizarlas para potenciar el aspecto político de su propia acción escénica, trascendiendo su carácter denunciante en favor de acercarse a una reparación simbólica para un determinado grupo de personas
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El arte integrado y su aporte en el desarrollo de la identidad cultural de niñas y niños lamudinos
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023-06-22) Ocampo Vela, Gianella Katrina; Béjar Miranda, Marissa Violeta
La presente tesis investiga el aporte del arte integrado como un medio para vincular la identidad personal con la identidad comunitaria en niñas y niños lamudinos. Para ello, esta investigación propone la aplicación y el desarrollo de las herramientas de disciplinas artísticas como la plástica, la danza, la música y el teatro, siendo este último el eje conductor e integrador de las otras disciplinas, para estimular la revalorización de la identidad en comunidades, específicamente partiendo del trabajo con niñas y niños. Producto de la aplicación de estos talleres surgió la obra teatral “La fiesta del gran Gualamita” que fue realizada para espacios abiertos con diecinueve niñas y niños de 8 a 10 años de la comunidad de Lámud, ubicada en el departamento de Amazonas. Los talleres de arte integrado tuvieron como eje central a la imagen del Señor de Gualamita, el santo patrón de este pueblo, y se propusieron explorar acerca de su historia, sus elementos principales y las tradiciones que giran en torno a ella, a partir del uso de técnicas y herramientas relacionas con la imaginación, creatividad, teatralidad y corporalidad. En el presente documento se comparten los principales hallazgos que surgieron a raíz de la aplicación de los talleres de arte integrado, así como su gran aporte en el desarrollo de la identidad de las niñas y niños lamudinos. Entre ellos, encontramos que las niñas y niños lograron reconocer la musicalidad de su entorno y resaltar cualidades que adquirieron como propias, pudieron conocer y representar desde su propia realidad la historia de cada danza tradicional de su pueblo, consiguieron expresarse sin temores e interactuar entre ellos, así como construir un discurso propio sobre su identidad y crear un vínculo estrecho entre ellos mismos, entre padres y madres de familia y su comunidad.
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Los conciertos de Motomami como expresión de la identidad de Rosalía como performer
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-11-04) De la Torre Perleche, Claudia; Carpio Valdeavellano, Paloma
La presente tesis analiza la manera en que los actores y actrices potencian su presencia escénica en el escenario a través de las herramientas teatrales. Para hacerlo posible se ha tomado como objeto de estudio a la cantante española Rosalía y se han definido cuatro elementos teatrales dentro de sus conciertos del MOTOMAMI Word Tour para ser analizados. El objeto de esta investigación es demostrar que las herramientas teatrales ayudan a los performers durante el espectáculo a desarrollar su propia presencia escénica y también que los elementos teatrales pueden ser utilizados fuera de lo que conocemos por un espacio teatral. En ese sentido, dichos elementos teatrales se han analizado bajo la consigna de cuatro elementos importantes dentro de la identidad de Rosalía: su identidad como mujer, como flamenca, como artista urbana y sus referentes culturales. Se recurre a estas variables de análisis de la identidad de Rosalía y a cómo se combinan con los elementos teatrales ya que estos aspectos se complementan para potenciar la presencia de la artista sobre el escenario, así como para profundizar la conexión del público con la performance.
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La consciencia de realidad y la escucha: ejes del entrenamiento actoral en búsqueda de una actuación honesta
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2022-08-08) Cordova Revilla, Eliana Rosa; Santistevan De Noriega, Luis Alfonso
La presente investigación busca analizar si el uso de los cuatro principios de la técnica Meisner propuestos por la directora y dramaturga norteamericana Louise Mallory, sirven como herramienta para desarrollar la capacidad de escucha y la capacidad de consciencia de realidad. En ese sentido, la principal fuente bibliográfica es su tesis doctoral. Desde mi experiencia actoral y formación académica-artística, considero que ambas capacidades son fundamentales para vincularnos en escena con el otro, y con uno mismo o misma; y así continuar con la búsqueda de una actuación auténtica y honesta. Con este propósito, se decidió llevar a cabo un laboratorio de exploración donde se utilizó los cuatro principios como cuatro premisas de trabajo dentro del entrenamiento actoral para observar si la aplicación de los mismos ayuda a desarrollar las capacidades mencionadas. El diseño metodológico apunta a la apropiación de los principios de forma progresiva a través de diversos ejercicios extraídos de distintos procesos formativos previos. Dichos principios fueron aplicados en dos escenas cinematográficas por cuatro estudiantes de quinto año de la especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Como resultado, el uso de los cuatro principios fortalece el trabajo de una doble consciencia al actuar, la cual facilita el vínculo y conexión con el otro a través de la escucha; y el autorreconocimiento de los procesos de afectación. Asimismo, esta permite reconocer los juicios; y, por lo tanto, primar el trabajo desde el impulso y la intuición.
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La construcción y el desarrollo del personaje en la lucha libre profesional en el Perú
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020-09-10) Reategui Munar, Luis Carlos; Marticorena Robles, Ana Marbe
La lucha libre es un espectáculo deportivo establecido sobre convenciones de teatralidad y performance; que busca representar escénicamente una competencia real, con la intención de contarle una o un conjunto de historias a un público comprometido. Esta investigación busca establecer un diálogo entre el arte teatral y lucha libre profesional, al identificar qué factores tienen en común: un conflicto dramático, un complejo proceso de significación y la interpretación de personajes. Este último elemento es sobre el cual la investigación busca centrarse. El personaje en la lucha libre difiere del personaje en el teatro, pues este último está restringido a los límites textuales de la obra dramática; mientras que el primero está condicionado por una serie de componentes que determinan su desarrollo, como el gimmick, el booking y el público en vivo. Esta investigación ha estructurado e implementado una metodología basada en aspectos constitutivos del arte teatral como el texto dramático y la semiótica. Asimismo, se ha integrado herramientas teatrales dirigidas a la interpretación, como el concepto de acción dramática y la improvisación teatral. Esta metodología, más que educar a los luchadores en el arte teatral, busca adaptar estas herramientas a la práctica de la lucha libre; con la intención de potenciar su capacidad creativa y enriquecer el proceso de construcción y desarrollo del personaje.
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La creación de experiencias lúdicas a partir del teatro para fortalecer la seguridad intrapersonal en la niñez: el juego dramático/ teatral en niños y niñas de 8 a 10 años del colegio parroquial Niño Jesús de Praga, Chorrillos
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-05-08) Moreno Fernandez, Maria Jesus; Risi Mugaburu, Monica Lucia
La presente tesis investiga el aporte del juego dramático/teatral en el proceso de desarrollo de niños y niñas de 8 a 10 años, en el descubrimiento de habilidades creativas y sociales que propicien su confianza en sí mismos y el fortalecimiento de su autoestima. Este proyecto surge de un reconocimiento de lo importante que es ayudar al infante a ganar confianza propia durante esta etapa y de la posibilidad que el teatro tiene para acompañarle en este proceso. El infante comienza a reconocer que la vida es un desafío, más cuando se establece en su primer espacio público: el colegio. En ello, existen problemáticas usuales como actos de negligencia por parte de adultos desinformados, bullying y más que conducen incluso hacia un estado de aislamiento y bajo rendimiento académico, causándole inseguridad e inestabilidad emocional de sí mismo/a. Por ello, el objetivo principal es analizar la práctica del juego dramático/ teatral y su posibilidad de predisponer diversas habilidades en niños y niñas como crear, imaginar, reflexionar; y los alcances que pueda tener en el ámbito social para estimular la validación y seguridad de sí mismo/a, a partir de su propio reconocimiento emocional y la aceptación de identidad. Para comprobar dicho estudio, se lleva a cabo el diseño y la ejecución del taller JUGARTE durante seis sesiones en el colegio Niño Jesús de Praga, donde participan trece alumnas y alumnos de 8 a 10 años, son guiados por mí para la creación individual y grupal a partir de las dinámicas teatrales/dramáticas escogidas de fuentes que incluyen autores teatrales referenciales y dinámicas creadas por mí, elegidas con el objetivo de reforzar en cada niña y niño su relación con la expresividad, la revalorización personal y la colaboración al proceso de los demás. En conclusión, las y los infantes logran descubrir nuevas formas de creación e imaginación a través de la lúdica teatral que fomenta el “abrazo” de su proceso emocional para desarrollar la autoconfianza.
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Creación dramática escénica colaborativa infantil
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020-01-31) Roggero Rodrich, Rosella; Montezuma Jaramillo, María José
La presente investigación se circunscribe dentro del campo del teatro aplicado y su relación con el desarrollo integral del ser humano e intenta indagar la relación entre el juego dramático y el desarrollo de las habilidades interpersonales de niños y niñas. Además, parte de perspectivas teóricas psicopedagógicas y pedagógicas teatrales que se sustentan, a su vez, en presupuestos socioconstructivistas y del aprendizaje vivencial. La pregunta de investigación de la que se parte es la siguiente, ¿Qué tipo de dinámicas se pueden proponer en los talleres de teatro para niñas y niños de 6 a 8 años que potencien sus habilidades interpersonales de cooperación? Con la intención de responder a dicha interrogante se pone en marcha un modelo de práctica teatral para niñas y niños, elaborado en base a dinámicas de creación dramática escénica colaborativa que toma como referente los momentos del taller dramático propuesto por Tomás Motos, con el propósito de potenciar sus habilidades interpersonales de cooperación. Asimismo, este estudio tiene la finalidad de responder a tres objetivos específicos, el primero consiste en establecer las condiciones ideales para que las dinámicas del taller fomenten un lenguaje creativo y cooperativo entre sus participantes, el segundo busca identificar dinámicas para diseñar sesiones que pongan en práctica la creación dramática escénica colaborativa, y el tercero consiste en evaluar las incidencias de las dinámicas aplicadas en el taller sobre la conducta interpersonal cooperativa de las niñas y los niños participantes.
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Creando desde el impulso
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2022-11-24) Rimachi Callacna, Natali del Milagro; Pastor Rubio, Lorena Maria
En cualquier contexto y realidad sociocultural, resulta fundamental implementar espacios artísticos en que los niños puedan explorar, y reconocer sus ideas y sentires. Por otro lado, la coyuntura de la pandemia ha incrementado esta necesidad y ha creado una nueva: contar con espacios de vínculo entre los niños. Es así como el objetivo central de esta tesis es analizar el proceso de una creación escénica con niños de 9 a 11 años del C. E. P. Sor Ana de los Ángeles – Lambayeque, a partir de los impulsos corporal y vocal, por medio de la implementación de un taller. A través de este proyecto, ofrecí espacios de exploración y la introducción a nuevas maneras de experimentar las artes escénicas. Este taller lo propongo desde mi experiencia como actriz en formación y la información recogida de diversos autores, entre los cuales destacan Richards (2005), Dropsy (1982) y Selfa (2012). Mi tesis es una investigación cualitativa desde las artes escénicas. En ella, participé como observadora-participante y guía del proceso. Como resultado de este estudio, encontré que es el cuerpo el origen de todo impulso. Asimismo, observé que las niñas y niños acudían a la imaginación para expresar lo que sus impulsos les mandaban. Además, logré ejecutar la improvisación sonora. También, logré vincular el pulso con el impulso, en el desarrollo de algunas actividades en las que los participantes debían escuchar el ritmo (pulso) que se les marcaba y, en base a eso, accionar. Esto generaba que se sorprendieran de las nuevas formas de movimiento que podían identificar en sí mismos. Finalmente, concluí que los niños han podido explorar un terreno novedoso; que el espacio geográfico fue muy relevante para su desenvolvimiento en el proceso de creación escénica, puesto que se trata de un grupo de niñas y niños con poca exposición a actividades y experiencias artísticas, y que el trabajo desde el impulso creativo permite reaccionar de manera instintiva y natural, sin utilizar la lógica.
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¿Cuál es el truco para que el jugo sea vino y no vinagre?: teatralidades no miméticas en la dirección de La Edad de la Ciruela
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2024-03-12) Alvarado Ferruzo, Amanda; Marko Kirchhausen, Ana Julia
La presente investigación teórico-práctica desde las artes se trata de mi proceso como directora que aboga por una escenificación horizontal de la obra La Edad de la Ciruela de Arístides Vargas. La creación se basó en un lenguaje alejado del realismo a partir de una teatralidad no mimética, del uso de la polifonía y del juego como herramienta metodológica de construcción. A partir de conceptos de la canadiense Josette Féral, este estudio se vale de la teatralidad como soporte poético que puede hacer uso de una mímesis activa o pasiva, y como brecha entre ilusión y realidad sin dejar de lado al espectador como elemento necesario para que esta realidad pueda existir. La polifonía se trabaja a partir de la investigadora Locatelli. Su estudio de este concepto permite expandir su aplicación en escenarios teatrales desde el uso equilibrado de elementos en el espacio, incluyendo al público para la creación de una obra en la que el texto no ocupe el eje central. Por último, el juego como herramienta primaria para la creación se presenta como arma contra una escena amarrada en la representación e imitación. El objetivo de esta investigación teórico-práctica desde las artes es analizar, explorar y registrar de qué manera estos conceptos se desarrollan durante la creación interesada en problematizar un lenguaje realista y hegemónico, y con eso ensayar nuevas maneras de mirar y pensar el mundo. El resultado de esta experiencia fue la creación de tres escenas de la obra bajo mi dirección en un lenguaje no mimético.
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El dancehall como herramienta de entrenamiento actoral para el perfeccionamiento del trabajo con las acciones físicas
(Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020-02-20) Cortez Alvarez Cier, Estefanía Illaqori; Valle Riestra Ortiz de Zevallos, María Paz
La presente investigación busca demostrar la utilidad del uso de los principios del baile de la cultura dancehall en el entrenamiento del actor en formación y el subsecuente aumento de sus competencias para el trabajo con las acciones físicas. Se eligieron, en específico, los conceptos groove y feeling; entendiéndose por groove a la manera en que se manifiestan, en el movimiento, las sensaciones estimuladas por la música del dancehall., funcionando estas como estímulo para la creación y escucha de impulsos; y por feeling, a la escucha y la percepción de uno mismo y de su alrededor. Dicho feeling vendrá a ser el que permite entrenar en la acción y reacción de movimientos con el cuerpo. A partir de ellos, se formula la siguiente pregunta: ¿De qué manera el groove y el feeling aportan al actor en formación en su trabajo con las acciones físicas? Para responder la interrogante se planteó un laboratorio de actores donde se integraron pasos de baile en la rutina de entrenamiento corporal. Estos pasos fueron seleccionados porque en ellos están codificados movimientos exclusivos del baile que lo identifican. Se hizo una clasificación de los pasos que sirviera para el calentamiento, para el entrenamiento del groove y para el entrenamiento de pequeñas actividades físicas. Finalmente se analizaron los procesos de diez estudiantes de la especialidad de Teatro de la PUCP para describir los avances. Por último, esta investigación surge por la búsqueda de una solución diferente a la problemática del “bloqueo”, estado de inactividad o movimientos torpes y entrecortados, que los alumnos de esta carrera suelen experimentar con frecuencia durante el inicio de su formación. Se espera, por tanto, que esta investigación aporte a incrementar la consciencia del cuerpo y de sus movimientos para el correcto desenvolvimiento de los alumnos en posteriores cursos de su proceso formativo.